Pero esta, por supuesto, no es la única regla, ni siquiera el propio libro contiene todas ellas, así que Light tendrá que ir aprendiendo sobre la marcha. Lo primero que debe saber es que al escribir el nombre en el cuaderno debe tener en mente el rostro de la persona, de modo que la muerte solo afecte a esa persona y no a todas las demás que compartan el mismo nombre. Tras comprobar la veracidad del cuaderno el muchacho se convierte en Kira, como lo apodan las masas, y se dispone a limpiar el mundo, eliminando de él a todos los criminales, para crear lo que el llama "El Nuevo Mundo", un lugar donde no exista la maldad. Pero no será tan fácil conseguir ese mundo bondadoso con el que sueña, teniendo que pasar por encima de simpatizantes y enemigos para tratar de hacerlo realidad.

El más peligroso de quienes tratan de parar su forma de justicia será un curioso chico llamado L, que posee unas increíbles facultades deductivas y se ha ocupado de resolver casos que otros consideraban irresolubles.

El manga comenzó a publicarse a finales de 2003 y finalizó en 2006, con un total de 108 capítulos que serían recopilados en volúmenes, la versión española fue publicada por la editorial Glénat. Entre 2006 y 2007 Madhouse la adaptó al anime en una serie de 37 episodios completamente fiel a la versión escrita. Pero lejos estaba de acabar el fenómeno Death Note que vería su adaptación en tres películas de live action, dos OVAs, dos novelas cortas, algunos libros suplementarios y varios videojuegos.

La serie de anime está basada en el manga homónimo, se emitió entre 2006 y 2007 por primera vez y cuenta con un total de 37 capítulos de unos 25 minutos cada uno.

Mientras un día el brillante alumno Light Yagami asiste aburrido a una de sus clases ve caer del cielo un cuaderno sobre la hierba, a la salida de clase lo coge entre sus manos y se ríe al leer en su portada que se trata de un cuaderno de muerte, pese a tomárselo a broma se llevará el libro y algo en su interior hará que compruebe lo que en un principio le parecía algo imposible: el libro funciona.

Los Death Note son los libros de los shinigamis, dioses espirituales que no pueden ser vistos a menos que se toque su Death Note, y los utilizan para acortar la vida de los humanos y alargar la suya propia. Pronto Light conocerá a Ryuk, el portador del Death Note que encontró y quien lo dejó caer porque se aburría en el mundo de los shinigamis. A partir de ese momento la perspectiva de la vida de Light cambia radicalmente, cree que realmente ha recibido el don de poseer el don de poder utilizar el Death Note porque es el único que puede crear un nuevo mundo, liberado de maldad, un Nuevo Mundo del que él será su Dios supremo.

En su camino hacia ese Nuevo Mundo tendrá que luchar con la policía, siendo su propio padre el jefe del departamento que se ocupa del caso Kira, el nombre que el público entusiasta le otorgará. Tras el que llegará el FBI y lo que es más peligroso, la atención de un detective privado conocido como L, del que no se conoce ni su rostro ni su verdadero nombre. El desarrollo de la historia llevará a Light y a L a convertirse en enemigos y amigos, contrarios e iguales, entre los que la mayor lucha será de tipo psicológico y mental.

En la vida de Light aparecerá también una preciosa chica llamada Misa Amane, un ídolo juvenil que se hace con otro Death Note y que está obsesionada con Kira, ya que él mató al hombre que aniquiló a toda su familia.

Y sin más datos sobre la historia aquí os dejo para que personalmente descubráis todo lo demás que Death Note encierra entre sus páginas asesinas.

La serie supone la mejor adaptación del manga original, en muchas ocasiones plano por plano. Resulta bastante entretenida aunque en algunos momentos algo cansina de seguir debido a las vueltas de tuerca que dan los juegos de Light, sus aliados y contrincantes, ya que cada paso de cada uno de ellos conlleva un montón de acontecimientos cruzados que son mostrados de forma concienzuda.

Las dos películas de Live Action contienen bastantes diferencias con la obra original, pero no entraré a comentarlas por respeto a quienes no se hayan adentrado aún en el universo Death Note. En la película conoceremos a los personajes principales del comienzo de manga y serie, y se sentarán las bases para la segunda película, pero la historia diferirá en varios aspectos fundamentales.

En el aspecto técnico está bastante lograda, el shinigami Ryuk resulta creíble, en cierto modo aterrador, en otro gamberro, como el propio shinigami es. Físicamente quien menos me convence es el protagonista Light Yagami, quien no tiene ni la belleza ni la esencia del personaje al que interpreta y cuya actuación no pasa de correcta. Misa Amane pasa de ser rubia a morena, pero por lo demás es su viva encarnación y tanto el padre de Ligth como Watari son perfectos. Sin embargo es L quien consigue enamorarme irremediablemente (y volverme aun más adicta a las chuches si cabe...).

La segunda película comienza exactamente donde acabó la primera y continua la historia. En este caso la relación entre el manga original y la película es más bien anecdótica difiriendo claramente. Resulta claramente inferior a la primera, en muchos casos las escenas resultan algo surrealistas, aunque lo cierto es que la historia original tampoco carece de esos momentos, lo más interesante es la relación que se establece entre Light y L y un final a medio camino entre el manga y la invención del guionista que, personalmente, prefiero al original.

Tras la serie se hicieron dos capítulos adicionales que resumían toda la historia, relatadas desde el punto de vista del shinigami Ryuk. Pocas son las escenas nuevas, algunas al principio y otras al final cuando el shinigami se dispone a contar su historia a otro ser de su raza, el resto de la historia es un recorte de escenas que resumen la historia de una forma un poco confusa para quienes no han visto la serie.

En este segundo arco se continua la historia, contando lo ocurrido entre los sucesores de L y Light. Nada nuevo que aportar, el resumen continúa.

Estoy segura de que, ni mucho menos, soy la única que se enamoró completamente del personaje de L, supongo que en base al éxito del personaje nació esta película que dio después lugar a una novela que relata la misma historia. Se trata de un spin-off del personaje con una pequeña aparición de Ryuk para justificar la relación con Death Note, pero la película se basa en la resolución de un caso por parte de L, un caso de deberá resolver en 23 días, y que, para no variar, atañe al mundo entero y lo cambiará.

La trama no resulta demasiado interesante, si bien lo más interesante de ella es el propio personaje protagonista y el conocimiento más profundo de él. Se equivoca al incluir algunos guiños a la serie que ni son reales ni deberían estar ahí (me refiero a Near...).

Para terminar, comentar que, por lo que tengo entendido, en abril de 2009 se anunció que Warner Bros. se había hecho con los derechos para hacer su propia adaptación del manga, basándose en la obra escrita en vez de en las películas de live action japonesas. Así que puede que algún día veamos la versión hollywoodiense de Death Note... tiembla L tiembla.

La historia se actualiza con los tiempos, ahora Sherlock tiene su propia página web en la que habla de sus métodos de investigación y de lo que el llama la Ciencia de la Deducción, por su parte el doctor John Watson es un médico del ejército recién llegado de la guerra de Afganistán con una cojera que es tan solo producto del trauma vivido y que su psicóloga le aconseja que escriba un blog en el cuente sus sucesos. ¿Cómo se conocen en estos tiempos?, pues convirtiéndose en compañeros de piso de la noche a la mañana... desde luego parece que la historia ha cambiado, pero no tanto, seguimos en Londres, y ambos personajes siguen siendo peculiares y geniales, esta vez en la piel de Benedict Cumberbatch, un tipo curioso ya solo en su físico, y Martin Freeman, el perfecto complemento para Sherlock Holmes.


En su primera temporada Sherlock cuenta con tan solo un piloto y tres capítulos más, que prácticamente pueden considerarse películas cada uno de ellos debido a su larga duración. Parece haber sido un experimento para ver si la serie llama la atención, y vaya si lo ha conseguido, en el Reino Unido se ha convertido en todo un fenómeno que espero que consiga que la serie continué adelante y nos siga deleitando con el genio y la figura de semejantes personajes.


Por mi parte solo he visto el capítulo piloto y no he necesitado más para decidir que definitivamente me encanta, así que os la recomiendo. ¿Qué tendrán las series británicas que cada vez me fascinan más?. ¡No os la perdáis!.

En estos tiempos en que parece que la crisis se ha cebado con todo cuanto nos rodea, incluido el séptimo arte, da gusto ver una película de este calibre, y es que no hace falta más para hacer una buena película que mucha imaginación y ganas de hacerla, y esto precisamente es lo que demuestra esta película de los años setenta, donde lejos de grandes efectos especiales o unos presupuestos millonarios, nos muestra con muy poco una de las mejores intrigas.

Dustin Hoffman encarna al hombre que cada día se entrena para correr la maratón en la ciudad de Nueva York. Una mañana mientras corre tiene lugar un accidente de tráfico cerca de allí, que hará que una serie de acontecimientos cambie su vida como nunca pensó que ocurriría.

La película está basada en la novela homónima escrita por William Goldman, quien se encargó también de su guión, y supuso un gran éxito en su época, avalada por público y crítica. Ganó el Globo de Oro de 1977 al mejor actor secundario para Laurence Olivier, y dos premios David di Donatello del mismo año, para el mejor actor extranjero, Dustin Hoffman, y mejor película extranjera. Además de obtener nueve candidaturas a los Oscar, entre ellas al mejor actor de reparto.

Os la recomiendo, aunque si ya os gustaba poco ir al dentista antes de verla, después corréis el riesgo de temerlos de verdad, al menos a mi ahora que ni me mienten a un dentista ni ninguno de sus aparatos...

The Man from Earth es una historia escrita por Jerome Bixby comenzada en los años 60 y concluida en su lecho de muerte, en 1998. En 2007 Richard Schenkman la dirigió en su adaptación al cine. La película fue proyectada en el Festival de Cine del Comic-Con en julio de 2007 y estrenada en octubre del mismo año, convirtiéndose en una película independiente que ha llegado a considerarse película de culto, recibiendo grandes críticas y siendo descubierto no a través del medio comercial sino por el boca a boca y las descargas en internet.

La película nos cuenta la historia, John Oldman, que está a punto de mudarse, cuando sus compañeras de trabajo y amigos acuden a despedirle. John les contará una historia fantástica, la de que se trata de un hombre Cro-Magnon que ha vivido durante 14.000 años manteniendo su apareciencia de unos 35 años.

En la sencillez de la película resulta su propia grandeza. Toda ella está rodada en la misma casa y el acceso a la mismo, con un presupuesto bajísimo, lo que agudiza el ingenio para elaborarla de forma artesanal. Y consiste básicamente en la conversación de los distintos personajes a lo largo de su casi hora y media de metraje, lejos de efectos especiales y escenas de acción la película resulta sólida por su intensa trama, la conversación te va atrapando dentro de su propio juego hasta que te conviertes en un elemento más de la habitación.

Lo que comienza como una conversación sobre un supuesto de ciencia ficción, como el que un hombre de la edad de piedra pueda continuar con vida, se va convirtiendo segundo a segundo en todo un enigma para sus compañeros, convenciéndoles y confundiéndoles a cada segundo. ¿Será cierta la extraña historia que su amigo les cuenta, por encima de todo lo que consideran racional?, ¿se habrá vuelto loco ese hombre al que conocen desde hace diez años y se muestra tan cuerdo?. Tendrán que participar y dejarse llevar por la conversación hasta un final impactante y perfecto que todo buen cinéfilo degustará.

Vayamos por partes, a aquellos que aún no conozcan la saga de crepúsculo que comiencen por el principio, y eso es, a mi entender, leerse las cuatro novelas y luego ver la primera entrega de la saga, Crepúsculo. Llegados a este punto, ya todos sabemos lo que va a ocurrir en Luna Nueva, Eclipse e incluso Amanecer, lo que no impide que una versión cinematográfica haga que nuestros colmillos se afilen, y todo esto sin necesidad de ningún fenómeno fan, que sinceramente detesto. No soy una adolescente histérica, y si fuese por mí me habría cargado la saga en el primer libro porque de ser Bella nunca me hubiese interesado ese supuesto vampiro encarnado por Robert Pattinson, y si hubiese llegado hasta Luna Nueva me hubiera quedado sin dudarlo con Jacob, su forma de ser tan dulce... y, ya que estamos, su tableta de chocolate.

Luna Nueva se basa en la primera secuela de Crepúsculo, con el mismo título y escrita por Stephenie Meyer. Me recuerdo a mi misma leyendo la novela, comencé a leerla animada, había acabado de leer el primer libro, había visto la película y tenía curiosidad por ver como seguía la historia, el final del primer manuscrito era el causante de aquella curiosidad. Unas cuantas páginas más adelante estaba tan deprimida como la protagonista del libro y rebuscaba entre las páginas que tenía por delante la vuelta de Edward, mientras pensaba que mejor que se quedase con el lobito, que a mi el vampiro nunca me había gustado. La novela te atrapa en su trayecto, es dura porque cuenta el momento más duro que ha pasado su protagonista en toda su vida, y es que el amor puede ser la cosa más fascinante del mundo, pero también la más devastadora; es lenta, porque ¿quién ha visto una depresión que vaya a mil por hora y sea increíblemente interesante?.

En la adaptación a la película esta parte tan dura y dolorosa nos la dulcifican, haciendo que los meses pasen frente a una ventana en una escena hermosa y triste al mismo tiempo, y no leyendo día tras día como su interior se va desintegrando porque su alma se está muriendo. Personalmente agradezco esta adaptación más suave, porque no hubiese podido volver a soportar tanta tristeza. Pero es esta misma tristeza la que hace que Bella pase de ser la niña que era en Crepúsculo a la mujer que comienza a ser y en la que se tendrá que convertir. Durante meses de depresión, tras la partida de su novio vampiro, Edward Cullen, tratando de no poner en peligro su vida ni una vez más (si, ya sabíamos que Edward era tonto, al menos yo sí lo sabía, tantos años de existencia y tan poco espabilado... que desperdicio), lo único que hace que el vacío de su interior se disipe, al menos por un rato es la compañía de su gran amigo, Jacob Black, de quien se convertirá en alguien inseparable, a pesar de que sabe que él alberga unas esperanzas sobre ellos que ella no puede darle (si, también Bella es un poco tonta, pero es que las hay sin gusto en hombres, que le vamos a hacer...).

Pero no será solo Bella quien atravesará por el paso de niña a mujer de la forma más dolorosa posible, también Jacob sufrirá, aunque su caso es un poco más peculiar, pasará de niño, a tío buenísimo y mazado con el complemento de poder convertirse en lobo para enfrentarse a sus enemigos naturales los vampiros... (peculiar cuanto menos).

Un poco manida la historia, pero en el fondo ¿no lo están ya todas?, muchas veces lo importante no es la historia en sí, sino la forma de contarla y la originalidad de reinventarla. Y en esto consiste toda la saga de crepúsculo, te puede gustar o no, pero es lo que hay. La pena es que con todo el fenómeno-fan, hay quien no se molesta en darle la oportunidad porque lo considera cosa de crías locas. En fin, hay ciegos en todos lados... peros lo peor es cuando no quieren ver...

En esta nueva entrega cambiamos de dirección y Catherine Hardwicke le pasa el testigo a Chris Weitz para llevar al cine esta parte de la historia, y realmente tengo que admitir que lo hace mucho mejor que su predecesora, aunque también tengo que otorgarle que tenía entre manos un libro mucho más jugoso que el primero. Luna Nueva por triste que sea, es el que prefiero después de Eclipse, pues resulta uno de los más adultos de la saga.

De nuevo vuelven a nuestras pantallas su protagonista, Bella Swan, encarnada por Kristen Stewart, y la familia Cullen, aunque en esta película permanecerán lo más ausentes posible para presentarnos al verdadero Jacob, encarnado por Tayler Lautner, y su tribu de quileutes, una manada de licántropos que se convierten cuando los vampiros se acercan demasiado a su territorio.

Y creo que si cuento más ya os he resumido el libro (y la película) completos, y quiero que os esforcéis un poco. En cualquier caso no puedo dejar de mencionar a los Volturi, algunos de los más antiguos vampiros, quienes residen en Volterra (Italia), siendo considerados como la realeza y también la ley vampírica, ya que se encargan de que la existencia de los vampiros no sea revelada al mundo, y cuando alguien se pasa de listo se encargan de limpiar los desperdicios. Bella y la familia Cullen tendrán un encuentro con ellos de lo más interesante, que en la película me resulta demasiado rápido. Me hubiese gustado que le hubiesen dado algo más de importancia y no hubiese sido tan rápido, pero supongo que la duración del metraje, de más de dos horas, ya no permitía ni un minuto más.

Y todo lo demás que queráis saber de la historia a leer (o si sois muy vagos o no tenéis tiempo a ver las películas). Para poder ver la tercera entrega en el cine no nos tocará esperar mucho, en verano, el 30 de junio Eclipse estará en cartelera.

Alejandro Amenábar nació en Santiago de Chile el 31 de marzo de 1972. Aunque nació en la capital chilena solo residió allí durante un año, hasta que sus padres, antes del golpe de estado de Pinochet, decidieron emigrar a España, instalándose en Madrid.

Más interesado en las imágenes que en los juegos infantiles, Amenábar de niño ocupaba su tiempo libre viendo películas, siendo 2001: odisea en el espacio (1968, Kubrick) su película favorita, que vio decenas de veces. Pero ya desde pequeño el director tenía algo claro, las imágenes eran inseparables de su música de fondo, una sensibilidad que le aficionó a las bandas sonoras, que comenzó a coleccionar.

Este gusto por la música le llevó a la convicción de que si no consiguiera ser director de cine sería músico, y de hecho ha compuesto la música tanto de todas sus películas como de otras ajenas, Nadie conoce a nadie, de Mateo Gil, y La lengua de las mariposas, de José Luis Cuerda.

En 1990 inició sus estudios de imagen y sonido en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense, carrera que no llegó a terminar ya que abandonó sus estudios a causa de un suspenso en realización (lo que son las cosas, Einstein también suspendió matemáticas ¿no?). Pero por aquel entonces ya había rodado sus primeros cortometrajes, en los que además de ejercer como director, lo hizo como guionista, protagonista, autor de la banda sonora y montador. Estas primeras obras obtuvieron desde el primer momento reconocimiento, La cabeza (1991) obtuvo el primer premio de la Asociación Independiente de Cineastas Amateurs, e Himenóptero (1992), cuya proyección en el Festival de Elche despertó los elogios de Bigas Luna y el interés de José Luis Cuerda quien comenzó a ayudarle en la tarea de darse a conocer en el mundo del cine.

Con mayores recursos, gracias a José Luis Cuerda, rodó su siguiente corto, Luna (1995), que sería quien acabaría de convencer a Cuerda para financiar el primer largometraje de Amenábar. Así fue como con tan solo veintitrés años y acompañado de un equipo de jóvenes actores hasta el momento desconocidos, a excepción de la protagonista Ana Torrent, rodó Tesis (1996) con un modesto pero bien aprovechado presupuesto.

En esta ópera prima demostró su dominio de la intriga centrándose en el tema de las snuff-movie (rodajes de torturas y asesinatos reales), sin duda un tema macabro al tiempo que morboso. Su primera obra fue reconocida con ocho candidaturas a los Goya, de los que obtuvo siete, entre ellos los más importantes, mejor película y mejor director novel.

Con Abre los ojos, Amenábar se enfrentaba a una película con mayor ambición contando con un presupuesto mayor. La película duplicó las recaudaciones de su ópera prima y le sirvió de lanzamiento internacional hasta el punto de que la cinto entusiasmó a Tom Cruise, quien adquirió los derechos para producir y protagonizar su remake americano, Vanilla Sky (2001), pero como tantas veces se ha demostrado ya, hacer un remake de una gran película no lleva más que a fracaso y gasto innecesario de recursos, que es lo que ocurrió una vez más con Vanilla Sky.

Tras Abre los ojos nuestro genio español consiguió abrirse camino en un cine más internacional además de contar con un presupuesto mucho más elevado, 21 millones de euros, para su próxima película, Los otros, en esta ocasión al contrario que en las dos anteriores la historia no tiene que esperar al desenlace para demostrar la ingeniosidad de su creador, sino que a lo largo de todo el metraje mantiene la tensión con maestría, consiguiendo una película más sobrecogedora que aterradora y contando como protagonista con la reconocidísima Nicole Kidman. Los otros se convirtió en la gran vencedora de los Goya de 2002 obteniendo ocho galardones, entre ellos, mejor guión original, mejor película y mejor director.

Con sus tres primeras películas Amenábar había dejado de ser el niño prodigio del cine español para convertirse, con tan solo treinta años, en un nombre reconocido en el panorama del cine fantástico internacional.

Amenábar se dejó influenciar por sus tres realizadores favoritos en su manera de plantear el cine, cogiendo el suspense que rodeaba a todo lo que tenía el sello de Hitchcock, buscando simplicidad y precisión en contar la historia, al estilo Kubrick, y colocándose en el lugar del espectador para hacer la película que a él le gustaría ver, como Spielberg.

Pero lejos de sentirse satisfecho con demostrar su maestría en el campo del suspense, en 2004 dio un giro a su carrera cinematográfica con Mar Adentro, cambiando completamente de género y de perspectiva, narrando la vida de Ramón Sampedro, un tetrapléjico gallego que puso fin a su vida con ayuda de personas cercanas en 1998 tras pasar confinado en la cama más de treinta años a causa de un accidente, y luchar duramente sus últimos años de vida por una muerte digna.

Para el papel de Ramón Sampedro contó con Javier Bardem, quien hizo una interpretación realmente magistral y fue muy alabado por la crítica. La película tuvo tanta repercusión que fue elegida para representar a España en los Oscar de Hollywood, estatuilla que se llevó a casa en la categoría de mejor película de habla no inglesa. Por esta película recibió otros numerosos premios, como el Premio Especial del Jurado de la Mostra de Venecia, el premio al mejor director en los Premios del Cine Europeo, los Spirit Awards a la mejor película extranjera y el Globo de Oro a la mejor película extranjera. También arrasó en los Goya consiguiendo el récord de catorce estatuillas de las quince categorías en que estaba nominada.

Recientemente ha estrenado su quinta película, Ágora, en la que de nuevo se ha atrevido a cambiar de registro para presentarnos una película histórica, situada en la ciudad de Alejandría en el año 391 d.C. para contarnos la historia de una filósofa y astrónoma, Hipatia, obsesionada con encontrar las respuestas que busca del mundo mientras a su alrededor se suceden revueltas religiosas que arrasan la ciudad.

Esta película fue en su momento una auténtica revelación, aclamada tanto por la crítica como por el pública y que obtuvo siete goyas, entre ellos a mejor película, mejor dirección novel para el propio Amenábar, mejor actor revelación para el entonces desconocido Fele Martínez, mejor guión original, dirección de producción, montaje y sonido.


También sirvió de trampolín para sus protagonistas, la mayoría de ellos desconocidos hasta el momento, pero Fele Martínez y Eduardo Noriega encontrarían en Tesis la oportunidad de demostrar que habían llegado al panorama cinematográfico y pensaban quedarse, una oportunidad de recordar a la que había quedado algo olvidada, Ana Torrent. Pero sobre todo fue la película que marcó el inicio de uno de los directores de cine español más exitosos y, para mi, el que más talento posee, un auténtico genio que hace del cine una obra maestra.

La película consigue mantener la tensión desde que comienza hasta que acaba, nos cuenta la historia de Ángela, una chica ue prepara su tesis doctoral sobre la violencia audiovisual, un día su director de tesis descubre accidentalmente una película y al día siguiente aparece muerto. Cuando lo encuentran, Ángela y su compañero Chema deciden llevarse la cinta, para descubrir que se trata de una snuff-movie donde una chica es torturada y asesinada. A partir de este punto se abren un montón de interrogantes, ¿de dónde ha salido esa cinta y como ha llegado hasta allí?, ¿quién es la chica?, pero sobre todo, ¿quién lleva a cabo tales crímenes?... Ángela acaba de comenzar una frenética huida de la que ni siquiera es consciente hasta que ya no puede dar marcha atrás.


Ya en su primera película Amenábar no temió meterse en un tema tan macabro como polémico, las snuff-movie, para conseguir una película que con pocos medios contenía todo lo necesaria para mantenerte agarrado al asiento.

Después de Tesis, Amenábar volvió a contar con sus dos protagonistas masculinos, Fele Martinez y Eduardo Noriega, junto a Penélope Cruz para su siguiente película.

En ella César, protagonizado por Eduardo Noriega, es un chico rico y guapo que está hecho todo un casanova, pero, como a todo cerdo le llega su San Martín, en su fiesta de cumpleaños conoce a Sofía, interpretada por Penélope Cruz, que ha venido acompañando a su mejor amigo, Pelayo, de nuevo Fele Martinez, y se enamora perdidamente de ella. Pero a partir de ese momento, lejos de conseguir una vida idílica, esta se convierte en pesadilla cuando Nuria, Najwa Nimri, siempre enamorada de César y movida por los celos provoca un accidente de coche en el que ella fallece y el rostro de él queda completamente desfigurado.


A partir de este momento su vida se convierte en algo extraño y onírico, lleno de paranoias y escenas en las que se mezcla la realidad y la imaginación para contarte una historia sin igual, en la que la música encaja perfectamente con la imagen, unos temas compuestos por Alejandro Amenábar y Mariano Marín e interpretados por la orquesta filarmónica Ciudad de Praga, dirigida por Mario Klemens.

A destacar la escena en que Eduardo Noriega corre por la Gran Vía madrileña desértica, algo inaudito, y que sentaría precedente en posteriores películas. También la escena de la terraza, que me parece de una enorme belleza. Una película realmente bella y extraña, que fascina y perturba a partes iguales, que demuestra el talento de su realizador y que resulta imprescindible para cualquier amante del cine.


Como ya he comentado en 2001 Tom Cruise se interesó en hacer el remake de Abre los ojos, al que se llamó Vanilla Sky, contando con Penélope Cruz para interpretar el mismo papel que en la película original.

La película Los otros es una película original desde su planteamiento hasta su realización, comenzando con contar con actores británicos, la australiana Nicole Kidman como protagonista, equipo español y rodaje en inglés en una mansión cántabra que dice situarse en la isla de Jersey, lo que la convierte en la primera película de la industria cinematográfica española con una coproducción de semejantes características, lo que en el fondo benefició a la cinta ya que en Estados Unidos se consideró un film norteamericano, mientras que en España seguía siendo una película española, e incluso la más taquillera de la historia en su momento.


La historia se desarrolla en la isla de Jersey, poco después del final de la Segunda Guerra Mundial y nos cuenta la vida de Grace Stewart, Nicole Kidman, y sus dos pequeños hijos, quienes viven en una antiguo caserón victoriano y remoto, esperando a que el padre de familia, Charles, retorne a casa tras la guerra, sin saber que ha sido de su suerte. Los niños sufren una extraña enfermedad que incluye la fotofobia, por lo que sus vidas estás estructuradas en base a una serie de reglas diseñadas para protegerlos de cualquier exposición a la luz solar.

La llegada de tres sirvientes a la casa, una niñera, una jardinero y una joven muda, coincide con otros extraños eventos, por lo que Grace comienza a temer que no se encuentran solos y se empeña en atrapar a los extraños intrusos pero no logra encontrarlos, mientras sus hijos cuentan historias de fantasmas que, según sus creencias, vivían en la casa.


En esta ocasión Amenábar incluye al género del thriller la componente del terror, convirtiendo esta película en otra gran sorpresa inesperada, como ya lo fueron Tesis y Abre los ojos, pero aderezada con una serie de sustos perfectamente planificados que se adaptan a la perfección con la tensión sostenida de la cinta. La película obtuvo 8 premios Goya de 15 candidaturas, las de mejor película, director, fotografía, guión original, sonido, dirección artística, montaje y dirección de producción.

Con Mar adentro, Amenábar cambia totalmente de registro, demostrando que no solo es un maestro en el thriller sino sencillamente un auténtico genio del cine, que es capaz de hacer de cualquier historia una maravilla visual que conquista por su sencillez y genialidad.

La película se basa en la conocida vida de Ramón Sampedro, intentando ser lo más verídica posible en todo momento, pero para aquellos que hayan olvidado ese nombre que fue tan polémico hace una década refresquemos la memoria. Ramón era un marinero que tras un accidente sufrido en su juventud quedó tetrapléjico y postrado en una cama durante cerca de treinta años y que en sus últimos años luchó con todas sus fuerzas desde la cama que era su prisión por poder morir dignamente, siendo el primero en España en pedir públicamente la eutanasia, ante su incapacidad para poder cometer el mismo un suicidio.


En la película conocemos a Ramón Sampedro a través de la piel de Javier Bardem, y su mundo que se reduce a su habitación, hasta la que llegan Julia, su abogada, interpretada por Belen Rueda, y Rosa, en la piel de Lola Dueñas, una vecina que trata de devolverle el interés por la vida, pero lo cierto es que la gran personalidad de Ramón es la que consigue cambiar por completo los principios de ambas.

De nuevo Amenabar se arriesgó con un tema polémico como era la eutanasia y con una historia rodeada de opiniones muy diferenciadas como era la vida y la muerte de Ramón Sampedro. La crítica y el público en general fue muy favorable con la película, aunque como era de esperar también hubo críticas, no es para menos tratando un tema y una historia tan concreta. Una película llena de belleza y de sentimientos, que a mi no me resulto empalagosa en absoluto, una oda a la vida, y a la muerte como parte de la misma.


Esta película también fue avalada con numerosos premios, para empezar el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, El León de Plata en el Festival de Venecia como Premio Especial del Jurado. Mejor director y mejor actor protagonista en los premios del Cine Europeo, Globo de Oro a la mejor película extranjera y catorce premios Goya.

Ágora

Reciente es aún el estreno de la última película de Amenábar, y nuevamente cambiando de registro se atreve con una película histórica, cuyo nombre, Ágora, se refiere al espacio abierto que funcionaba como plaza pública y era el centro cultural, comercial y político en las ciudades griegas y romanas.

Ágora comenzó en 2005, cuando el propio Amenábar y su amigo Mateo Gil se pusieron manos a la obra con la elaboración del guión y comenzaron a perderse entre libros de Historia y Astronomía que los atraparía en el Egipto de hace 1600 años. A lo largo del proyecto el director ha contado con la colaboración y asesoría de astrofísicos, filósofos e historiadores que abrieran luz sobre las lagunas de sus creadores.

La película fue rodada en la isla de Malta, centrando sus escenarios fundamentalmente en el Fuerte Ricasoli. También debo mencionar que la ambientación, decorados, efectos, vestuario y música son perfectos, y nada tiene que envidiar a las grandes superproducciones norteamericanas, consiguiendo una película completamente creíble y que deja respirar el respeto por ser lo más verídica posible, todo ello al módico precio de unos 50 millones de euros.

Amenábar nos regala con Ágora, como ya hizo en sus películas anteriores, una película con diferentes lecturas, nos muestra el eterno enfrentamiento entre la razón y la religión, al tiempo que nos cuenta sencillamente la vida de Hipatia, una filosofa y astrónoma que lejos de todo lo que acontece a su alrededor vive obsesionada por dar respuesta a sus preguntas sobre el mundo.


La historia se desarrolla en un mundo que es casi legendario y prácticamente olvidados, en una época y un lugar únicos, la ciudad de Alejandría, Egipto, a partir de 391 d.C., cuando el Imperio Romano gobernaba esas tierras y la ciudad se había convertido en crisol de las antiguas culturas egipcia, griega y romana, pero en medio de este crisol la religión cristiana acaba de ser legalizada, pero no conformándose con eso aspira a convertirse en la única religión oficial del Imperio, tratando de desterrar el resto de creencias que considera cultos paganos, lo que derivará en violentas revueltas religiosas en las calles de Alejandría que alcanzarán a su legendaria Biblioteca y el resto de maravillas que brillaban en la bella ciudad.

Entre los muros de la biblioteca una brillante astrónoma, Hipatia, magistralmente interpretada por una magnífica Rachel Weisz, lucha por salvar la sabiduría del mundo antiguo más que su propia vida. A su alrededor varios hombres disputan su corazón, Orestes y el joven exclavo Davo, que se debate entre el amor que profesa a su ama en secreto y la libertad que tanto desea y que podría conseguir uniéndose a la fé cristiana, pero Hipatia no busca el amor de nadie, ella ya ha dado su amor a la filosofía y a ella piensa entregarle su vida y corazón.


En la película la filósofa consigue fascinarme en sus obsesiones consiguiendo que las revueltas queden relegadas a un segundo plano, que realmente impacta y duele con la destrucción de la biblioteca, cuando sientes lo salvaje que puede ser el ser humano buscando la libertad del modo incorrecto. Flojos se quedan el resto de personajes, sobre todo el de Davo, quien no llega a convencer ni en su devoción a su ama ni en su conversión a la fé cristiana para conseguir ser libre cuando no quiere serlo, en el fondo se convierte tan solo en un alma errante que no consigue encontrar su lugar en el mundo, un lugar que solo ha podido atisbar en los ojos de Hipatia, pero a la que por mucho que ame no le dedica ni la mitad de la devoción que ella le regala a la ciencia.

En cualquier caso Amenábar vuelve a cumplir con esta magnífica película que seduce de nuevo en sus niveles más sencillos que en sus lecturas más complejas.