Joseph nació el 17 de febrero de 1981 en Los Angeles y con solo cuatro años entró en un grupo de teatro musical donde encarnó al Espantapájaros en una producción de El mago de Oz, donde un agente lo vio y propuso a sus padres contratarlo para trabajar en anuncios comerciales.

Su carrera cinematográfica no tardó mucho más en comenzar, con 6 añitos de edad. Apareció en varias películas televisivas y en dos episodios de la serie Enredos de familia. Posteriormente siguió apareciendo regularmente tanto en películas como en series, siendo sus papeles más relevantes: Dark Shadows (1990 y 1991), donde interpretó a David Collins tanto en la serie como en la películas basadas en el remake homónimo de los años 60; un papel secundario en la película Beethoven (1992), sí, aquella del perro; Coacción a un jurado (1996)...

Hasta que llegó a la serie Cosas de marcianos (1996-2001) que lo vio crecer en uno de los personajes protagonistas, Tommy Solomon, y lo convirtió en una cara cuanto menos conocida. En 1999 filmó 10 razones para odiarte donde coincidió con un joven y moreno Heath Ledger, ambos tenían los papeles protagonistas masculinos.

En 2000 entró en la Universidad Columbia para estudiar historia, literatura y poesía francesa, dejando un poco aparcada su faceta cinematográfica durante cuatro años. También en este periodo decidió probar el teatro y debutó en la obra de Austin Pendleton, Uncle Bob.

Cuando volvió a la actuación lo hizo con algo más de exigencia proponiéndose a sí mismo trabajar solo en aquellas películas que realmente le interesaban, lo que lo ha ido convirtiendo en una estrella dentro del cine indie. Ha participado en películas como Manic (2001), donde nos cuenta la vida en un manicomio, Mysterious Skin (2004) en el que encarnaba a un prostituto gay que había sido víctima de abuso sexual infantil, Brick (2005) una película de críticas muy positivas donde encarna a un adolescente que se ve inmerso en un círculo subterráneo de drogas cuando investiga la desaparición de su ex-novia...; The Lookout (2007) en la que ha sido enormemente alabado por su papel de recepcionista de un banco con problemas de memoria tras un grave accidente que es reclutado por unos criminales para llevar a cabo un robo en su banco; entre otras.

Como veis películas con buena pinta pero no muy sonadas. La última de esta ristra de películas independientes es sin duda la más conocida de ellas, 500 días juntos (2009), junto a Zooey Deschanel, una comedia indie que hizo las delicias del cine del año y que a mi personalmente no me gustó (por lo menos el final), es fresca pero sobrevalorada y sobre todo con valores muy erróneos.

En 2009 se decidió a pasar al otro lado y probar en la dirección, lo hizo con un corto titulado Sparks, posteriormente ha repetido con otros dos de animación en el que él es el narrador.

Filmografía

Películas

Extranjero en mi tierra 1988
Settle the Score 1989
Dark Shadows 1990
Changes 1991
Hi Honey I'm dead 1991
Plymouth 1991
Beethoven: uno más de la familia 1992
El río de la vida 1992
Partners 1993
Gregory K 1993
Holy Matrimony 1994
Sin escrúpulos 1994
Ángeles 1994
Aventura en Nairobi 1995
Coacción a un jurado 1996
Sweet Jane 1998
Halloween H20 1998
10 razones para odiarte 1999
Cachitos picantes 2000
Forever Lulu 2000
Manic 2001
El planeta del tesoro (voz) 2002
Latter Days 2003
Oscura inocencia (Misterious Skin) 2004
Brick 2005
Caos (Havoc) 2005
Shadowboxer 2005
The Lookout 2007
Stop-Loss 2008
Miracle at St. Anna 2008
Killshot 2008
Big Breaks 2008
500 días juntos (500 Days of Summer) 2009
Uncertainly 2009
Women in trouble 2009
G.I. Joe 2009
Hesher 2010
Morgan M. Morgansen's Date with Destiny (corto de animación) 2010
Elektra Luxx 2010
Morgan and Destiny's Eleventeenth Date: The Zeppelin Zoo (corto de animación) 2010
Origen 2010

Series

Enredos de familia (2 episodios) 1988
Se ha escrito un crimen (1 episodio) 1990
Vampiros (Dark Shadows) (13 episodios) 1991
Playa de China (1 episodio) 1991
A través del tiempo (1 episodio) 1991
La ley de Los Angeles (1 episodio) 1991
The Powers that Be (13 episodios) 1992-1993
La doctora Quinn (1 episodio) 1993
Roseanne (4 episodios) 1993-1995
Cosas de marcianos (133 episodios) 1996-2001
Aquellos maravillosos 70 (1 episodio) 1998
Más allá del límite (1 episodio) 2000
Numb3rs (1 episodio) 2005

Darren Aronofsky nació el 12 de febrero de 1969 en Brooklyn, Nueva York. Estudió cine de animación y acción real en la universidad de Harvard. Con el corto de su tesis, Supermarket Sweep, obtuvo premios internacionales y fue finalista en los Student Academy Awards. En 1994 obtuvo un Master en Dirección en el American Film Institute, quien lo premiaría en 2001 con la prestigiosa medalla Franklin J. Schaffner.

Como es habitual el director comenzó en el mundo del cine con algunos cortos: Supermarket Sweep y Fortune Cookie, ambos en 1991, Protozoa, en 1993, y No Time, en 1994.


Su debut como director de largometrajes fue en 1998 con Pi, una película independiente filmada en blanco y negro y rodada con un presupuesto de apenas 60.000 dólares, de la que fue coguionista y con la que consiguió un gran éxito tanto de público como de crítica y obtuvo diversos galardones, los más destacados como Mejor Director en el Festival de Sundance y Mejor Primer Guión en los Independent Spirit Awards.

Pero con su ópera prima, Aronofsky no había hecho más que comenzar, su segunda película, Requiem por un sueño, basada en la novela de Hubert Selby Jr, se estrenó en el 2000 siendo aclamada mundialmente, una vez más unánimemente por público y crítica, y convirtiéndose al instante en película de culto.

Para su tercera película se tomó su tiempo y seis años después volvió con La fuente de la vida. En esta cinta el director contaba con un presupuesto millonario y un reparto de lujo, pero no convenció de manera tan impactante como sus dos primeras películas, siendo su película más criticada. Por taquilla pasó sin pena ni gloria pero provocó gran discrepancia de opiniones, unos la criticaron duramente mientras otros la encumbraban como una gran obra cinematográfica.


Pero dos años después, en 2008, Aronofsky estuvo listo para volver a la carga y estrenó su cuarta película, El Luchador, con la que acalló las voces de todos obteniendo el León de Oro en el Festival de Venecia, su película fue considerada la mejor del festival y una de las mejores del director por la crítica.

Su quinta y última película, El Cisne Negro, se ha estrenado hace no mucho y ha sido tenida muy en cuenta por todos los premios cinematográficos, obteniendo el Oscar a la mejor actriz para Natalie Portman y siendo nominada, entre otras categorías, como Mejor Película y Mejor Director aunque finalmente no se alzasen con la estatuilla.

Rodada en blanco y negro, Pi, fe en el caos, el debut cinematográfico de Aronofsky es ante todo una cosa: agónica, y es que en cada una de sus escenas el espectador siente la gran ansiedad que abruma al protagonista.

El punto de partida no puede parecer más aburrido, un matemático obsesionado con descifrar el número Pi y descubrir el orden del mundo, que según él se esconde entre sus dígitos. Pero aunque las matemáticas pudieran parecernos la cosa más aburrida en el colegio, nada más lejos de serlo en esta película. El director se adentra en el árido mundo matemático a través de los ojos de su protagonista y nos trasmite su obsesión, sus jaquecas, su espíritu afligido, convirtiendo su película en la más desasosegante que han visto mis ojos.

El protagonista es todo un personaje, Maxilliam Cohen, un matemático que cree que todo lo que nos rodea, la naturaleza y el mundo completo se puede representar mediante números, en ellos está el orden que lo rige. Con esta premisa, Max trata de descubrir el modelo matemático de la bolsa creando un programa que predice el modelo bursátil, pero su ordenador se funde y él considera los resultados como erróneos, a partir de ese momento lo perseguirán judíos en busca de todos los dígitos del número Pi, que según ellos es el nombre de Dios, al tiempo que una empresa de Wall Street lo persigue para obtener el secreto de sus predicciones bursátiles. En esta persecución, más personal que ajena, Max cae en picado hacia la auténtica locura y esta lo lleva a buscar en su cabeza un descanso, un silencio, la simplicidad de la vida.

En esta primera película, Aronofsky contó con Clint Mansell como músico de su banda sonora, algo que continuaría habitualmente en el resto de sus películas. Debo destacar el gran papel de sus bandas sonoras que se integran perfectamente en la película imbuyéndote en cuanto siente su personaje principal.

Terriblemente agónica, claustrofóbica, ansiosa, paranoica y brillante. Aronofsky nos lleva hasta el extremo de la locura para traernos de vuelta y dejarnos sin aliento. La película acaba y tú... continúas en ella.

Lo cierto es que me quedo sin palabras al tratar de hablar sobre Requiem for a Dream, una película que en el instante que comencé a ver, me hechizó de un modo que no había conseguido ninguna otra película, me llevó vagando a través de su metraje hasta fundirme en su final y encontrarme a mí misma tumbada en la misma posición fetal. Sacudida, aturdida, jadeante.

Si, Pi, fe en el caos, es una de las películas más agónicas que he visto, la segunda obra de Aronofsky es la más hipnótica y fascinante. Convertida en un instante en una de mis grandes joyas de cine. No fui la única en advertir la maravilla que suponía para el cine esta película, pues antes de mi fue aclamada mundialmente tanto por crítica como por público, convirtiéndose en seguida en un clásico de culto.

La película cuenta con un poder visual realmente magnífico que junto a la banda sonora, también en este caso de Clint Mansell como siempre en las películas del director, convierten el montaje de la película en algo realmente hipnótico. Si a lo aportado por Aronofsky le añadimos las interpretaciones de sus actores obtenemos una obra realmente perfecta.


La interpretación más sobresaliente de la película es sin duda la de Ellen Burstyn, quien estuvo nominada al Oscar, entre otros muchos premios; aunque finalmente no consiguiera alzarlo para mí es sin duda la justa ganadora de aquel año sin duda alguna por una de las mejores interpretaciones que he visto en toda mi vida, lástima que la Academia no piense como yo. Jennifer Connelly y Jared Leto cargan con el resto de la película de una manera magistral.



Respecto a la trama y el desarrollo de la historia prefiero no contar nada, para sinopsis ya tenéis la de la ficha, pero os recomiendo que no indaguéis en la película si no la habéis visto y os dejéis tan solo hechizar por las imágenes, será una experiencia inigualable. Disfrutadla, os la recomiendo encarecidamente.

La Fuente de la Vida es, a fecha de hoy, la película más criticada del director, aunque sería más verídico decir que es realmente la única criticada. Igual que en su película anterior cuenta con un buen reparto, Ellen Burstyn repite a sus órdenes, aunque en un papel de menor importancia, y Hugh Jackman y Rachel Weisz se convierten en los auténticos protagonistas de esta historia de amor eterno.

Resulta la más confusa de sus películas, tal vez por querer abarcar demasiados temas en una única cinta. Aunque sin duda los protagonistas absolutos son el amor y la muerte. Sitúa su historia en tres espacios temporales muy diferenciados: la actualidad, la era de la conquista de América y el futuro.

Visualmente es una película realmente espectacular en la que la imagen se convierte en auténtica poesía que, aderezada con la banda sonora compuesta una vez más por Clint Mansell, pretende llevarnos a esferas más elevadas del alma humana.

En la actualidad el investigador y oncólogo Tommy Creo trata de encontrar la cura para los tumores cerebrales mediante ensayos con animales, en una lucha desesperada por tratar de salvar a su esposa Izzi, ante sus fracasos decide probar un compuesto derivado de un peculiar árbol procedente de Guatemala que parece tener éxito.

Será Izzi quien introduzca los otros dos tiempos en que se situará la trama: el futuro a través de una nebulosa llamada Xibalba que ella describe como el inframundo maya al que viajan las almas tras su muerte, también le cuenta la leyenda de creación de los mayas, cómo el primer creador del mundo se sacrificó a sí mismo para dar vida a todos los seres; y la conquista de América a través de un libro que está escribiendo titulado The Fountain.

A lo largo de todos esos tiempos Tom tratará de salvar a su amada, eternamente conectado con el Árbol de la Vida, y solo a través de todos ellos podrá comprender la resurrección a través de la muerte, la vida eterna, y podrá aceptar la muerte de Izzi.

No existen adjetivos suficientes para comentar Cisne Negro, probablemente la palabra que más se ajusta a ella es su propio director: Aronofsky, y es que no conozco otro vocablo que resuma todo lo que este director es capaz de transmitir con cada una de sus películas. ¿Qué decir de Natalie Portman? Impecable, su mejor interpretación, si ya había demostrado con creces su talento aquí deslumbra como nunca, auténtico Cisne sea del color que sea. Película imprescindible en sí misma, y junto a Requiem for a Dream imprescindible en la filmografía de Darren Aronofsky. ¡Ni se os ocurra perdérosla!.

En su última película el director nos cuenta la historia de Nina, una bailarina de ballet en la producción de El lago de los cisnes, que ansía hacerse con el papel protagonista, para lo que deberá encarnar tanto al Cisne Blanco, inocente y bondadoso, como al Cisne Negro, sensual y oscuro. Nina es perfecta para el papel de Cisne Blanco pero completamente ajena y lejana de su opuesto, mientras que Lily, una bailarina recién llegada a la compañía, es la perfecta encarnación del Cisne Negro. Nina deberá encontrar su propio lado oscuro y sacar a la superficie los peores demonios de su ser para poder convertirse en su cara opuesta.

Timothy William Burton nació en California el 25 de agosto de 1958, conocido director, productor, escritor y diseñador estadounidense. Su estilo cinematográfico se caracteriza por sus mundos imaginarios de elementos góticos y oscuros, o el caso contrario, lleno de color y fantasía, con protagonistas que suelen ser seres inadaptados y enigmáticos.

Sus vecinos y allegados lo definían desde pequeño como un inadaptado social con gran apetito por la ciencia ficción y el terror, debido a su afición por las películas de terror de bajo presupuesto. A la joven edad de 13 años se decidió a realizar su primer corto animado con algunos amigos, llamado The Island of Doctor Agor.

En 1976 acabó sus estudios de bachillerato e ingresó en el Instituto de Artes de California, fundado por Walt Disney como plataforma de aprendizaje para jóvenes aficionados a la animación, en el que realizó una serie animada bautizada como Stalk of the Celery Monster, trabajo que le dio la oportunidad de ser contratado por los estudios Disney.


Pero su trabajo en Disney no fue entendido ni apreciado en su momento, por lo que decidió continuar con sus propios planes y comenzó a dirigir sus primeros cortometrajes, Vincent y Frankenweenie, que obtuvieron el éxito merecido.

Dirigió su primer largometraje, La gran aventura de Pee-Wee, en 1985, tras lo que ha dirigido y producido numerosas películas, de las cuales muchas han sido notablemente apreciadas por público y crítica. Entre las cuales cuenta, Pesadilla antes de Navidad, que aunque no fue dirigida por el propio Burton fue creada y producida por él dando una bocanada fresca al cine de animación. Lo mismo ha ocurrido con la reciente película 9.

En cuanto a su vida personal en 1989 se casó con la artista alemana, Lena Gieseke, de la que se divorció tras la filmación de Batman Vuelve. Después estuvo comprometido con Lisa Marie desde 1992 hasta 2001, pero esta relación tampoco funcionó. Actualmente está comprometido con Helena Bonham Carter, con quien tiene dos hijos y quien ha aparecido en todas las películas del director desde que comenzó su relación. Ambos parecen hechos el uno para el otro, tanto en su estética como en su personalidad.


Si hay algo más constante en la carrera cinematográfica de Tim Burton, además de su estética, es que suele trabajar repetidamente con las mismas personas, sobre todo con su íntimo amigo, Johnny Depp, el músico Danny Elfman y su compañera sentimental, Helena Bonham Carter.

Ha llovido mucho desde que Burton hizo esta pequeña maravilla del cine de fantasía, una película que me conquistó en mi tierna infancia. En ella se centra en un personaje realmente atípico, un repulsivo y excéntrico fantasma con el nombre de Beetlejuice, perfectamente encarnado por Michael Keaton.


A través del humor negro, unos buenos efectos especiales y magníficos decorados hace que el personaje nos seduzca al tiempo que deseamos que desaparezca y deje en paz a los novatos fantasmas, la pareja encarnada por Alec Baldwin y Geena Davis, que no han aprendido a enfrentarse al más allá cuando su última hora les llega mucho antes de lo que ninguno hubiera previsto y solo quieren regresar a su recién estrenado hogar mientras una nueva familia realmente curiosa trata de instalarse en él. Una jovencísima Winona Ryder tiene un papel inolvidable en la película realmente divertida y original, como el propio Burton. La película ganó un Oscar al mejor maquillaje.

Una vez más Burton volvió a contar con Michael Keaton para su adaptación al cine del cómic de Batman convirtiendo la película en el éxito más grande de taquilla hasta el momento y una influencia de peso en posteriores películas de superhéroes. Para mí Michael Keaton junto a Christian Bale suponen los mejores Batman de cine y las películas realizadas por sendos directores, Burton y Nolan, las únicas que realmente merecen la pena.


En esta ocasión contó con El Joker como el enemigo de Batman y con Jack Nicholson para interpretarle desde un punto de vista más cómico que el reciente Joker de Nolan. Obtuvo el Oscar a mejor dirección artística y decorados, realmente merecido por el estilo gótico que le dio a Gotham City.

Este bonito cuento de Tim Burton nos relata como un inventor creó un muchacho, pero la muerte lo sorprende dejándolo inacabado, con tijeras en vez de manos, pero con un corazón lleno de bondad. Vive durante años vive solo en la mansión del inventor ignorando la vida que hay fuera, pero un día una mujer lo descubre y lo lleva a la ciudad, donde no todo el mundo comprende y ama al joven, y donde encontrará personas y cosas que le harán sufrir, pero también cosas tan maravillosas como el amor.

Como es habitual en las películas de Tim Burton, la estética es algo notable, original y diferente, y Eduardo Manostijeras no es una excepción a esta regla, siendo una película originalísima tanto en su planteamiento como visualmente. Pero en el fondo el personaje de este cuento no es otro que un Frankenstein reinventado, un ser extraño e incomprendido rodeado de un ambiente hostil que lo teme tan solo por ser diferente. Pero, afortunadamente, siempre hay personas que miran más allá de la fachada, que buscan en el alma y descubren la bondad que allí habita. Una historia de amor preciosa, de esas que te hacen sentir que todo es posible tan solo con la fuerza del amor. Un increíble cuento que requiere un visionado imprescindible y una pareja protagonista formada por Johnny Depp y Winona Ryder realmente inspiradora.

Varios años después de la primera entrega de Batman, Burton accedió a dirigir la secuela, Batman Returns. En ella vuelve a contar con Michael Keaton como Batman, Danny de Vito encarnando a Pingüino y la preciosa Michelle Pfeiffer como la mejor Catwoman de todos los tiempos. La película es aún más oscura y personal que la primera y personalmente debo reconocer que me gusta más, no sé si por la presencia del personaje de Catwoman tan carismático y magnífico.


Posteriormente Warner Bros decidió que las adaptaciones burtonianas de Batman habían sido demasiado oscuras y adultas por lo que para atraer a un público más infantil le pasó el testigo a Joel Schumacher, llegando el turno de Val Kilmer como nuevo Batman y un montón de caras conocidas para acompañarle en Batman Forever. Posteriormente la cuarta entrega de la saga correría también a su cargo y Batman contó con un nuevo actor en plantilla, George Clooney, y su compañero Robin en Batman & Robin. La conclusión, dos películas malísimas, sin la más mínima gracia ni interés que dan al traste con el magnífico Batman creado por Burton y su fantástica recreación de Gotham City. Hasta 2005 en que Christopher Nolan cogió el testigo y puso a Christian Bale en el papel del nuevo Batman no pudimos volver a disfrutar de una buena esencia de este superhéroe.

Curioso, aunque no mucho en la trayectoria de Tim Burton, es el proyecto de Ed Wood, en la que el director retrató la vida del considerado "peor director de la historia". En sus películas, englobadas dentro del género de la ciencia ficción y el terror, las malas actuaciones y los torpes personajes chocaban con los decorados tirándolos. Encarnando al peor director la piel de uno de los mejores actores, Johnny Depp.

La película fue rodada en blanco y negro, en homenaje a las películas y cumpliendo con la estética del momento. Obtuvo dos Oscars: al mejor actor secundario para Martin Landau y al mejor maquillaje.

Otra locura de película de Tim Burton es Mars Attack, en la que deja atrás todo el estilo gótico y oscuro que reina sus películas para tomar la iconografía colorista de los años 50 que pudimos ver en la ciudad de Eduardo Manostijeras.

La película es toda una parodia a las películas de ciencia ficción que contaba con un montón de caras conocidos en el reparto. Realmente divertida, surrealista y sugerente.

En Sleepy Hollow Burton vuelve a contar con su actor fetiche, Johnny Depp, y con una estética oscura. Una historia de fantasía y fantasmas en la que el actor encarna a un detective interesado en la ciencia forense, que es enviado al pueblo de Sleepy Hollow para investigar una seríe de crímenes.


El asesinato de las víctimas se lleva a cabo en campo abierto arrebatándoles las cabezas, aparentemente por un fantasma sin cabeza que es un leyenda local. La fotografía es probablemente una de las cosas más notables de la película, realmente magnífica.

Personalmente no puedo hablar de esta película que nunca ha llamado mi atención, ni la original de 1968 protagonizada por Charlton Heston, ni la de Tim Burton. Pero, El Planeta de los Simios supuso un gran éxito comercial, aunque fue criticado por perder el sello de que Burton dota a sus películas, convirtiéndose esta en una película comercial sin visos de sus director.


La película está basada en la novela homónima de Pierre Boulle. En ella un austronauta llega a un planeta donde los humanos son esclavizados por los simios.

Recientemente he tenido la oportunidad de ver, al fin, esta película de la que solo me habían contado maravillas. Como ya es habitual en las películas de Burton el reparto de Big Fish está plagado, una vez más, de caras conocidas.

En esta cinta olvida totalmente su estética oscura para acudir a su estética colorista, siendo esta su película más bella y luminosa. Un mundo fantástico a medio camino entre la realidad y la increíble imaginación de un hombre que decide que su vida sea más mágica e importante por el simple hecho de vivirla a su manera. Una historia muy bonita que cautiva y que te hace desear quedarte en ese mundo inventado en el que todo es posible.

En esta revisión de la película original de 1971 Johnny Depp encarna al curioso personaje de Willy Wonka, y ambas están basadas en un libro infantil escrito en 1964 por Roald Dahl. Willy Wonka es el dueño de una fábrica de chocolate misteriosa en la que nunca nadie ha entrado ni ha visto al propio Wonka, hasta que un día éste hace un anuncio: abrirá su famosa fábrica y mostrará todos sus secretos y su magia a cinco niños afortunados, los que tengan la suerte de encontrar los cinco billetes dorados dentro de las deliciosas tabletas de chocolate Wonka.


Charlie es un niño pobre que sueña con aquella fábrica y la magia que desprende y es el afortunado ganador de uno de los billetes. Entre dulces y Oompa Loompas la historia se va desgranando en un mágico mundo lleno de color. Personalmente me quedo con la película original, con Charlie y la fábrica de chocolate Burton no consiguió conquistarme.

La novia cadáver es una película estéticamente deliciosa, utiliza la misma técnica que ya utilizó Burton en Pesadilla antes de Navidad. Pese a que sus personajes no son reales tienen un gran parecido con los que los inspiraron y les aportaron las voces: Johnny Depp y Helena Bonham Carter.

La historia se basa en un cuento de la tradición rusa-judía ortodoxa, en la que un joven llamado Victor, se compromete accidentalmente con el cadáver de una novia, Emily, y se lleva a Victor al país de los muertos.

Una vez más Johnny Depp y Helena Bonham Carter se unen a Tim Burton para realizar la versión cinematográfica del musical Sweeney Todd, que también supone un musical en película y nos muestra la gran voz que posee Johnny Depp, algo que personalmente me impresionó, además del sello más oscuro de su director.

Cuenta la historia de un barbero inglés que tras ser falsamente acusado y condenado a una vida de trabajos forzados para arrebatarle a su esposa, regresa a Londres donde le cuentan que su Lucy fue violada y está muerta y que ahora su hija es la pupila del aquel malvado juez. Todd clama venganza y asesina a sus clientes con una navaja de afeitar con la ayuda de la Sra. Lovett, quien convierte los cadáveres en pasteles de carne.

Una de las películas más flojas de Burton, a mi parecer, es la reciente Alicia en Wonderland, en la que el director retoma la película original y transporta al País de las Maravillas a Alicia años después de su primera visita para luchar contra el dragón de la Reina Roja siendo la única que puede combatirle.

Salvo la estética colorista y mágica propia de Burton poco más tiene que ofrecer esta película. Como siempre cuenta con sus habituales Johnny Depp para el papel del Sombrerero Loco, que ciertamente lo encarna magníficamente y Helena Bonham Carter como la Reina de Corazones, y se deja seducir por el novedoso sistema 3d.