Timothy William Burton nació en California el 25 de agosto de 1958, conocido director, productor, escritor y diseñador estadounidense. Su estilo cinematográfico se caracteriza por sus mundos imaginarios de elementos góticos y oscuros, o el caso contrario, lleno de color y fantasía, con protagonistas que suelen ser seres inadaptados y enigmáticos.

Sus vecinos y allegados lo definían desde pequeño como un inadaptado social con gran apetito por la ciencia ficción y el terror, debido a su afición por las películas de terror de bajo presupuesto. A la joven edad de 13 años se decidió a realizar su primer corto animado con algunos amigos, llamado The Island of Doctor Agor.

En 1976 acabó sus estudios de bachillerato e ingresó en el Instituto de Artes de California, fundado por Walt Disney como plataforma de aprendizaje para jóvenes aficionados a la animación, en el que realizó una serie animada bautizada como Stalk of the Celery Monster, trabajo que le dio la oportunidad de ser contratado por los estudios Disney.


Pero su trabajo en Disney no fue entendido ni apreciado en su momento, por lo que decidió continuar con sus propios planes y comenzó a dirigir sus primeros cortometrajes, Vincent y Frankenweenie, que obtuvieron el éxito merecido.

Dirigió su primer largometraje, La gran aventura de Pee-Wee, en 1985, tras lo que ha dirigido y producido numerosas películas, de las cuales muchas han sido notablemente apreciadas por público y crítica. Entre las cuales cuenta, Pesadilla antes de Navidad, que aunque no fue dirigida por el propio Burton fue creada y producida por él dando una bocanada fresca al cine de animación. Lo mismo ha ocurrido con la reciente película 9.

En cuanto a su vida personal en 1989 se casó con la artista alemana, Lena Gieseke, de la que se divorció tras la filmación de Batman Vuelve. Después estuvo comprometido con Lisa Marie desde 1992 hasta 2001, pero esta relación tampoco funcionó. Actualmente está comprometido con Helena Bonham Carter, con quien tiene dos hijos y quien ha aparecido en todas las películas del director desde que comenzó su relación. Ambos parecen hechos el uno para el otro, tanto en su estética como en su personalidad.


Si hay algo más constante en la carrera cinematográfica de Tim Burton, además de su estética, es que suele trabajar repetidamente con las mismas personas, sobre todo con su íntimo amigo, Johnny Depp, el músico Danny Elfman y su compañera sentimental, Helena Bonham Carter.

Ha llovido mucho desde que Burton hizo esta pequeña maravilla del cine de fantasía, una película que me conquistó en mi tierna infancia. En ella se centra en un personaje realmente atípico, un repulsivo y excéntrico fantasma con el nombre de Beetlejuice, perfectamente encarnado por Michael Keaton.


A través del humor negro, unos buenos efectos especiales y magníficos decorados hace que el personaje nos seduzca al tiempo que deseamos que desaparezca y deje en paz a los novatos fantasmas, la pareja encarnada por Alec Baldwin y Geena Davis, que no han aprendido a enfrentarse al más allá cuando su última hora les llega mucho antes de lo que ninguno hubiera previsto y solo quieren regresar a su recién estrenado hogar mientras una nueva familia realmente curiosa trata de instalarse en él. Una jovencísima Winona Ryder tiene un papel inolvidable en la película realmente divertida y original, como el propio Burton. La película ganó un Oscar al mejor maquillaje.

Una vez más Burton volvió a contar con Michael Keaton para su adaptación al cine del cómic de Batman convirtiendo la película en el éxito más grande de taquilla hasta el momento y una influencia de peso en posteriores películas de superhéroes. Para mí Michael Keaton junto a Christian Bale suponen los mejores Batman de cine y las películas realizadas por sendos directores, Burton y Nolan, las únicas que realmente merecen la pena.


En esta ocasión contó con El Joker como el enemigo de Batman y con Jack Nicholson para interpretarle desde un punto de vista más cómico que el reciente Joker de Nolan. Obtuvo el Oscar a mejor dirección artística y decorados, realmente merecido por el estilo gótico que le dio a Gotham City.

Este bonito cuento de Tim Burton nos relata como un inventor creó un muchacho, pero la muerte lo sorprende dejándolo inacabado, con tijeras en vez de manos, pero con un corazón lleno de bondad. Vive durante años vive solo en la mansión del inventor ignorando la vida que hay fuera, pero un día una mujer lo descubre y lo lleva a la ciudad, donde no todo el mundo comprende y ama al joven, y donde encontrará personas y cosas que le harán sufrir, pero también cosas tan maravillosas como el amor.

Como es habitual en las películas de Tim Burton, la estética es algo notable, original y diferente, y Eduardo Manostijeras no es una excepción a esta regla, siendo una película originalísima tanto en su planteamiento como visualmente. Pero en el fondo el personaje de este cuento no es otro que un Frankenstein reinventado, un ser extraño e incomprendido rodeado de un ambiente hostil que lo teme tan solo por ser diferente. Pero, afortunadamente, siempre hay personas que miran más allá de la fachada, que buscan en el alma y descubren la bondad que allí habita. Una historia de amor preciosa, de esas que te hacen sentir que todo es posible tan solo con la fuerza del amor. Un increíble cuento que requiere un visionado imprescindible y una pareja protagonista formada por Johnny Depp y Winona Ryder realmente inspiradora.

Varios años después de la primera entrega de Batman, Burton accedió a dirigir la secuela, Batman Returns. En ella vuelve a contar con Michael Keaton como Batman, Danny de Vito encarnando a Pingüino y la preciosa Michelle Pfeiffer como la mejor Catwoman de todos los tiempos. La película es aún más oscura y personal que la primera y personalmente debo reconocer que me gusta más, no sé si por la presencia del personaje de Catwoman tan carismático y magnífico.


Posteriormente Warner Bros decidió que las adaptaciones burtonianas de Batman habían sido demasiado oscuras y adultas por lo que para atraer a un público más infantil le pasó el testigo a Joel Schumacher, llegando el turno de Val Kilmer como nuevo Batman y un montón de caras conocidas para acompañarle en Batman Forever. Posteriormente la cuarta entrega de la saga correría también a su cargo y Batman contó con un nuevo actor en plantilla, George Clooney, y su compañero Robin en Batman & Robin. La conclusión, dos películas malísimas, sin la más mínima gracia ni interés que dan al traste con el magnífico Batman creado por Burton y su fantástica recreación de Gotham City. Hasta 2005 en que Christopher Nolan cogió el testigo y puso a Christian Bale en el papel del nuevo Batman no pudimos volver a disfrutar de una buena esencia de este superhéroe.

Curioso, aunque no mucho en la trayectoria de Tim Burton, es el proyecto de Ed Wood, en la que el director retrató la vida del considerado "peor director de la historia". En sus películas, englobadas dentro del género de la ciencia ficción y el terror, las malas actuaciones y los torpes personajes chocaban con los decorados tirándolos. Encarnando al peor director la piel de uno de los mejores actores, Johnny Depp.

La película fue rodada en blanco y negro, en homenaje a las películas y cumpliendo con la estética del momento. Obtuvo dos Oscars: al mejor actor secundario para Martin Landau y al mejor maquillaje.

Otra locura de película de Tim Burton es Mars Attack, en la que deja atrás todo el estilo gótico y oscuro que reina sus películas para tomar la iconografía colorista de los años 50 que pudimos ver en la ciudad de Eduardo Manostijeras.

La película es toda una parodia a las películas de ciencia ficción que contaba con un montón de caras conocidos en el reparto. Realmente divertida, surrealista y sugerente.

En Sleepy Hollow Burton vuelve a contar con su actor fetiche, Johnny Depp, y con una estética oscura. Una historia de fantasía y fantasmas en la que el actor encarna a un detective interesado en la ciencia forense, que es enviado al pueblo de Sleepy Hollow para investigar una seríe de crímenes.


El asesinato de las víctimas se lleva a cabo en campo abierto arrebatándoles las cabezas, aparentemente por un fantasma sin cabeza que es un leyenda local. La fotografía es probablemente una de las cosas más notables de la película, realmente magnífica.

Personalmente no puedo hablar de esta película que nunca ha llamado mi atención, ni la original de 1968 protagonizada por Charlton Heston, ni la de Tim Burton. Pero, El Planeta de los Simios supuso un gran éxito comercial, aunque fue criticado por perder el sello de que Burton dota a sus películas, convirtiéndose esta en una película comercial sin visos de sus director.


La película está basada en la novela homónima de Pierre Boulle. En ella un austronauta llega a un planeta donde los humanos son esclavizados por los simios.

Recientemente he tenido la oportunidad de ver, al fin, esta película de la que solo me habían contado maravillas. Como ya es habitual en las películas de Burton el reparto de Big Fish está plagado, una vez más, de caras conocidas.

En esta cinta olvida totalmente su estética oscura para acudir a su estética colorista, siendo esta su película más bella y luminosa. Un mundo fantástico a medio camino entre la realidad y la increíble imaginación de un hombre que decide que su vida sea más mágica e importante por el simple hecho de vivirla a su manera. Una historia muy bonita que cautiva y que te hace desear quedarte en ese mundo inventado en el que todo es posible.

En esta revisión de la película original de 1971 Johnny Depp encarna al curioso personaje de Willy Wonka, y ambas están basadas en un libro infantil escrito en 1964 por Roald Dahl. Willy Wonka es el dueño de una fábrica de chocolate misteriosa en la que nunca nadie ha entrado ni ha visto al propio Wonka, hasta que un día éste hace un anuncio: abrirá su famosa fábrica y mostrará todos sus secretos y su magia a cinco niños afortunados, los que tengan la suerte de encontrar los cinco billetes dorados dentro de las deliciosas tabletas de chocolate Wonka.


Charlie es un niño pobre que sueña con aquella fábrica y la magia que desprende y es el afortunado ganador de uno de los billetes. Entre dulces y Oompa Loompas la historia se va desgranando en un mágico mundo lleno de color. Personalmente me quedo con la película original, con Charlie y la fábrica de chocolate Burton no consiguió conquistarme.

La novia cadáver es una película estéticamente deliciosa, utiliza la misma técnica que ya utilizó Burton en Pesadilla antes de Navidad. Pese a que sus personajes no son reales tienen un gran parecido con los que los inspiraron y les aportaron las voces: Johnny Depp y Helena Bonham Carter.

La historia se basa en un cuento de la tradición rusa-judía ortodoxa, en la que un joven llamado Victor, se compromete accidentalmente con el cadáver de una novia, Emily, y se lleva a Victor al país de los muertos.

Una vez más Johnny Depp y Helena Bonham Carter se unen a Tim Burton para realizar la versión cinematográfica del musical Sweeney Todd, que también supone un musical en película y nos muestra la gran voz que posee Johnny Depp, algo que personalmente me impresionó, además del sello más oscuro de su director.

Cuenta la historia de un barbero inglés que tras ser falsamente acusado y condenado a una vida de trabajos forzados para arrebatarle a su esposa, regresa a Londres donde le cuentan que su Lucy fue violada y está muerta y que ahora su hija es la pupila del aquel malvado juez. Todd clama venganza y asesina a sus clientes con una navaja de afeitar con la ayuda de la Sra. Lovett, quien convierte los cadáveres en pasteles de carne.

Una de las películas más flojas de Burton, a mi parecer, es la reciente Alicia en Wonderland, en la que el director retoma la película original y transporta al País de las Maravillas a Alicia años después de su primera visita para luchar contra el dragón de la Reina Roja siendo la única que puede combatirle.

Salvo la estética colorista y mágica propia de Burton poco más tiene que ofrecer esta película. Como siempre cuenta con sus habituales Johnny Depp para el papel del Sombrerero Loco, que ciertamente lo encarna magníficamente y Helena Bonham Carter como la Reina de Corazones, y se deja seducir por el novedoso sistema 3d.

Alejandro Amenábar nació en Santiago de Chile el 31 de marzo de 1972. Aunque nació en la capital chilena solo residió allí durante un año, hasta que sus padres, antes del golpe de estado de Pinochet, decidieron emigrar a España, instalándose en Madrid.

Más interesado en las imágenes que en los juegos infantiles, Amenábar de niño ocupaba su tiempo libre viendo películas, siendo 2001: odisea en el espacio (1968, Kubrick) su película favorita, que vio decenas de veces. Pero ya desde pequeño el director tenía algo claro, las imágenes eran inseparables de su música de fondo, una sensibilidad que le aficionó a las bandas sonoras, que comenzó a coleccionar.

Este gusto por la música le llevó a la convicción de que si no consiguiera ser director de cine sería músico, y de hecho ha compuesto la música tanto de todas sus películas como de otras ajenas, Nadie conoce a nadie, de Mateo Gil, y La lengua de las mariposas, de José Luis Cuerda.

En 1990 inició sus estudios de imagen y sonido en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense, carrera que no llegó a terminar ya que abandonó sus estudios a causa de un suspenso en realización (lo que son las cosas, Einstein también suspendió matemáticas ¿no?). Pero por aquel entonces ya había rodado sus primeros cortometrajes, en los que además de ejercer como director, lo hizo como guionista, protagonista, autor de la banda sonora y montador. Estas primeras obras obtuvieron desde el primer momento reconocimiento, La cabeza (1991) obtuvo el primer premio de la Asociación Independiente de Cineastas Amateurs, e Himenóptero (1992), cuya proyección en el Festival de Elche despertó los elogios de Bigas Luna y el interés de José Luis Cuerda quien comenzó a ayudarle en la tarea de darse a conocer en el mundo del cine.

Con mayores recursos, gracias a José Luis Cuerda, rodó su siguiente corto, Luna (1995), que sería quien acabaría de convencer a Cuerda para financiar el primer largometraje de Amenábar. Así fue como con tan solo veintitrés años y acompañado de un equipo de jóvenes actores hasta el momento desconocidos, a excepción de la protagonista Ana Torrent, rodó Tesis (1996) con un modesto pero bien aprovechado presupuesto.

En esta ópera prima demostró su dominio de la intriga centrándose en el tema de las snuff-movie (rodajes de torturas y asesinatos reales), sin duda un tema macabro al tiempo que morboso. Su primera obra fue reconocida con ocho candidaturas a los Goya, de los que obtuvo siete, entre ellos los más importantes, mejor película y mejor director novel.

Con Abre los ojos, Amenábar se enfrentaba a una película con mayor ambición contando con un presupuesto mayor. La película duplicó las recaudaciones de su ópera prima y le sirvió de lanzamiento internacional hasta el punto de que la cinto entusiasmó a Tom Cruise, quien adquirió los derechos para producir y protagonizar su remake americano, Vanilla Sky (2001), pero como tantas veces se ha demostrado ya, hacer un remake de una gran película no lleva más que a fracaso y gasto innecesario de recursos, que es lo que ocurrió una vez más con Vanilla Sky.

Tras Abre los ojos nuestro genio español consiguió abrirse camino en un cine más internacional además de contar con un presupuesto mucho más elevado, 21 millones de euros, para su próxima película, Los otros, en esta ocasión al contrario que en las dos anteriores la historia no tiene que esperar al desenlace para demostrar la ingeniosidad de su creador, sino que a lo largo de todo el metraje mantiene la tensión con maestría, consiguiendo una película más sobrecogedora que aterradora y contando como protagonista con la reconocidísima Nicole Kidman. Los otros se convirtió en la gran vencedora de los Goya de 2002 obteniendo ocho galardones, entre ellos, mejor guión original, mejor película y mejor director.

Con sus tres primeras películas Amenábar había dejado de ser el niño prodigio del cine español para convertirse, con tan solo treinta años, en un nombre reconocido en el panorama del cine fantástico internacional.

Amenábar se dejó influenciar por sus tres realizadores favoritos en su manera de plantear el cine, cogiendo el suspense que rodeaba a todo lo que tenía el sello de Hitchcock, buscando simplicidad y precisión en contar la historia, al estilo Kubrick, y colocándose en el lugar del espectador para hacer la película que a él le gustaría ver, como Spielberg.

Pero lejos de sentirse satisfecho con demostrar su maestría en el campo del suspense, en 2004 dio un giro a su carrera cinematográfica con Mar Adentro, cambiando completamente de género y de perspectiva, narrando la vida de Ramón Sampedro, un tetrapléjico gallego que puso fin a su vida con ayuda de personas cercanas en 1998 tras pasar confinado en la cama más de treinta años a causa de un accidente, y luchar duramente sus últimos años de vida por una muerte digna.

Para el papel de Ramón Sampedro contó con Javier Bardem, quien hizo una interpretación realmente magistral y fue muy alabado por la crítica. La película tuvo tanta repercusión que fue elegida para representar a España en los Oscar de Hollywood, estatuilla que se llevó a casa en la categoría de mejor película de habla no inglesa. Por esta película recibió otros numerosos premios, como el Premio Especial del Jurado de la Mostra de Venecia, el premio al mejor director en los Premios del Cine Europeo, los Spirit Awards a la mejor película extranjera y el Globo de Oro a la mejor película extranjera. También arrasó en los Goya consiguiendo el récord de catorce estatuillas de las quince categorías en que estaba nominada.

Recientemente ha estrenado su quinta película, Ágora, en la que de nuevo se ha atrevido a cambiar de registro para presentarnos una película histórica, situada en la ciudad de Alejandría en el año 391 d.C. para contarnos la historia de una filósofa y astrónoma, Hipatia, obsesionada con encontrar las respuestas que busca del mundo mientras a su alrededor se suceden revueltas religiosas que arrasan la ciudad.

Esta película fue en su momento una auténtica revelación, aclamada tanto por la crítica como por el pública y que obtuvo siete goyas, entre ellos a mejor película, mejor dirección novel para el propio Amenábar, mejor actor revelación para el entonces desconocido Fele Martínez, mejor guión original, dirección de producción, montaje y sonido.


También sirvió de trampolín para sus protagonistas, la mayoría de ellos desconocidos hasta el momento, pero Fele Martínez y Eduardo Noriega encontrarían en Tesis la oportunidad de demostrar que habían llegado al panorama cinematográfico y pensaban quedarse, una oportunidad de recordar a la que había quedado algo olvidada, Ana Torrent. Pero sobre todo fue la película que marcó el inicio de uno de los directores de cine español más exitosos y, para mi, el que más talento posee, un auténtico genio que hace del cine una obra maestra.

La película consigue mantener la tensión desde que comienza hasta que acaba, nos cuenta la historia de Ángela, una chica ue prepara su tesis doctoral sobre la violencia audiovisual, un día su director de tesis descubre accidentalmente una película y al día siguiente aparece muerto. Cuando lo encuentran, Ángela y su compañero Chema deciden llevarse la cinta, para descubrir que se trata de una snuff-movie donde una chica es torturada y asesinada. A partir de este punto se abren un montón de interrogantes, ¿de dónde ha salido esa cinta y como ha llegado hasta allí?, ¿quién es la chica?, pero sobre todo, ¿quién lleva a cabo tales crímenes?... Ángela acaba de comenzar una frenética huida de la que ni siquiera es consciente hasta que ya no puede dar marcha atrás.


Ya en su primera película Amenábar no temió meterse en un tema tan macabro como polémico, las snuff-movie, para conseguir una película que con pocos medios contenía todo lo necesaria para mantenerte agarrado al asiento.

Después de Tesis, Amenábar volvió a contar con sus dos protagonistas masculinos, Fele Martinez y Eduardo Noriega, junto a Penélope Cruz para su siguiente película.

En ella César, protagonizado por Eduardo Noriega, es un chico rico y guapo que está hecho todo un casanova, pero, como a todo cerdo le llega su San Martín, en su fiesta de cumpleaños conoce a Sofía, interpretada por Penélope Cruz, que ha venido acompañando a su mejor amigo, Pelayo, de nuevo Fele Martinez, y se enamora perdidamente de ella. Pero a partir de ese momento, lejos de conseguir una vida idílica, esta se convierte en pesadilla cuando Nuria, Najwa Nimri, siempre enamorada de César y movida por los celos provoca un accidente de coche en el que ella fallece y el rostro de él queda completamente desfigurado.


A partir de este momento su vida se convierte en algo extraño y onírico, lleno de paranoias y escenas en las que se mezcla la realidad y la imaginación para contarte una historia sin igual, en la que la música encaja perfectamente con la imagen, unos temas compuestos por Alejandro Amenábar y Mariano Marín e interpretados por la orquesta filarmónica Ciudad de Praga, dirigida por Mario Klemens.

A destacar la escena en que Eduardo Noriega corre por la Gran Vía madrileña desértica, algo inaudito, y que sentaría precedente en posteriores películas. También la escena de la terraza, que me parece de una enorme belleza. Una película realmente bella y extraña, que fascina y perturba a partes iguales, que demuestra el talento de su realizador y que resulta imprescindible para cualquier amante del cine.


Como ya he comentado en 2001 Tom Cruise se interesó en hacer el remake de Abre los ojos, al que se llamó Vanilla Sky, contando con Penélope Cruz para interpretar el mismo papel que en la película original.

La película Los otros es una película original desde su planteamiento hasta su realización, comenzando con contar con actores británicos, la australiana Nicole Kidman como protagonista, equipo español y rodaje en inglés en una mansión cántabra que dice situarse en la isla de Jersey, lo que la convierte en la primera película de la industria cinematográfica española con una coproducción de semejantes características, lo que en el fondo benefició a la cinta ya que en Estados Unidos se consideró un film norteamericano, mientras que en España seguía siendo una película española, e incluso la más taquillera de la historia en su momento.


La historia se desarrolla en la isla de Jersey, poco después del final de la Segunda Guerra Mundial y nos cuenta la vida de Grace Stewart, Nicole Kidman, y sus dos pequeños hijos, quienes viven en una antiguo caserón victoriano y remoto, esperando a que el padre de familia, Charles, retorne a casa tras la guerra, sin saber que ha sido de su suerte. Los niños sufren una extraña enfermedad que incluye la fotofobia, por lo que sus vidas estás estructuradas en base a una serie de reglas diseñadas para protegerlos de cualquier exposición a la luz solar.

La llegada de tres sirvientes a la casa, una niñera, una jardinero y una joven muda, coincide con otros extraños eventos, por lo que Grace comienza a temer que no se encuentran solos y se empeña en atrapar a los extraños intrusos pero no logra encontrarlos, mientras sus hijos cuentan historias de fantasmas que, según sus creencias, vivían en la casa.


En esta ocasión Amenábar incluye al género del thriller la componente del terror, convirtiendo esta película en otra gran sorpresa inesperada, como ya lo fueron Tesis y Abre los ojos, pero aderezada con una serie de sustos perfectamente planificados que se adaptan a la perfección con la tensión sostenida de la cinta. La película obtuvo 8 premios Goya de 15 candidaturas, las de mejor película, director, fotografía, guión original, sonido, dirección artística, montaje y dirección de producción.

Con Mar adentro, Amenábar cambia totalmente de registro, demostrando que no solo es un maestro en el thriller sino sencillamente un auténtico genio del cine, que es capaz de hacer de cualquier historia una maravilla visual que conquista por su sencillez y genialidad.

La película se basa en la conocida vida de Ramón Sampedro, intentando ser lo más verídica posible en todo momento, pero para aquellos que hayan olvidado ese nombre que fue tan polémico hace una década refresquemos la memoria. Ramón era un marinero que tras un accidente sufrido en su juventud quedó tetrapléjico y postrado en una cama durante cerca de treinta años y que en sus últimos años luchó con todas sus fuerzas desde la cama que era su prisión por poder morir dignamente, siendo el primero en España en pedir públicamente la eutanasia, ante su incapacidad para poder cometer el mismo un suicidio.


En la película conocemos a Ramón Sampedro a través de la piel de Javier Bardem, y su mundo que se reduce a su habitación, hasta la que llegan Julia, su abogada, interpretada por Belen Rueda, y Rosa, en la piel de Lola Dueñas, una vecina que trata de devolverle el interés por la vida, pero lo cierto es que la gran personalidad de Ramón es la que consigue cambiar por completo los principios de ambas.

De nuevo Amenabar se arriesgó con un tema polémico como era la eutanasia y con una historia rodeada de opiniones muy diferenciadas como era la vida y la muerte de Ramón Sampedro. La crítica y el público en general fue muy favorable con la película, aunque como era de esperar también hubo críticas, no es para menos tratando un tema y una historia tan concreta. Una película llena de belleza y de sentimientos, que a mi no me resulto empalagosa en absoluto, una oda a la vida, y a la muerte como parte de la misma.


Esta película también fue avalada con numerosos premios, para empezar el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, El León de Plata en el Festival de Venecia como Premio Especial del Jurado. Mejor director y mejor actor protagonista en los premios del Cine Europeo, Globo de Oro a la mejor película extranjera y catorce premios Goya.

Ágora

Reciente es aún el estreno de la última película de Amenábar, y nuevamente cambiando de registro se atreve con una película histórica, cuyo nombre, Ágora, se refiere al espacio abierto que funcionaba como plaza pública y era el centro cultural, comercial y político en las ciudades griegas y romanas.

Ágora comenzó en 2005, cuando el propio Amenábar y su amigo Mateo Gil se pusieron manos a la obra con la elaboración del guión y comenzaron a perderse entre libros de Historia y Astronomía que los atraparía en el Egipto de hace 1600 años. A lo largo del proyecto el director ha contado con la colaboración y asesoría de astrofísicos, filósofos e historiadores que abrieran luz sobre las lagunas de sus creadores.

La película fue rodada en la isla de Malta, centrando sus escenarios fundamentalmente en el Fuerte Ricasoli. También debo mencionar que la ambientación, decorados, efectos, vestuario y música son perfectos, y nada tiene que envidiar a las grandes superproducciones norteamericanas, consiguiendo una película completamente creíble y que deja respirar el respeto por ser lo más verídica posible, todo ello al módico precio de unos 50 millones de euros.

Amenábar nos regala con Ágora, como ya hizo en sus películas anteriores, una película con diferentes lecturas, nos muestra el eterno enfrentamiento entre la razón y la religión, al tiempo que nos cuenta sencillamente la vida de Hipatia, una filosofa y astrónoma que lejos de todo lo que acontece a su alrededor vive obsesionada por dar respuesta a sus preguntas sobre el mundo.


La historia se desarrolla en un mundo que es casi legendario y prácticamente olvidados, en una época y un lugar únicos, la ciudad de Alejandría, Egipto, a partir de 391 d.C., cuando el Imperio Romano gobernaba esas tierras y la ciudad se había convertido en crisol de las antiguas culturas egipcia, griega y romana, pero en medio de este crisol la religión cristiana acaba de ser legalizada, pero no conformándose con eso aspira a convertirse en la única religión oficial del Imperio, tratando de desterrar el resto de creencias que considera cultos paganos, lo que derivará en violentas revueltas religiosas en las calles de Alejandría que alcanzarán a su legendaria Biblioteca y el resto de maravillas que brillaban en la bella ciudad.

Entre los muros de la biblioteca una brillante astrónoma, Hipatia, magistralmente interpretada por una magnífica Rachel Weisz, lucha por salvar la sabiduría del mundo antiguo más que su propia vida. A su alrededor varios hombres disputan su corazón, Orestes y el joven exclavo Davo, que se debate entre el amor que profesa a su ama en secreto y la libertad que tanto desea y que podría conseguir uniéndose a la fé cristiana, pero Hipatia no busca el amor de nadie, ella ya ha dado su amor a la filosofía y a ella piensa entregarle su vida y corazón.


En la película la filósofa consigue fascinarme en sus obsesiones consiguiendo que las revueltas queden relegadas a un segundo plano, que realmente impacta y duele con la destrucción de la biblioteca, cuando sientes lo salvaje que puede ser el ser humano buscando la libertad del modo incorrecto. Flojos se quedan el resto de personajes, sobre todo el de Davo, quien no llega a convencer ni en su devoción a su ama ni en su conversión a la fé cristiana para conseguir ser libre cuando no quiere serlo, en el fondo se convierte tan solo en un alma errante que no consigue encontrar su lugar en el mundo, un lugar que solo ha podido atisbar en los ojos de Hipatia, pero a la que por mucho que ame no le dedica ni la mitad de la devoción que ella le regala a la ciencia.

En cualquier caso Amenábar vuelve a cumplir con esta magnífica película que seduce de nuevo en sus niveles más sencillos que en sus lecturas más complejas.