No es ninguna sorpresa que en Hollywood se han quedado completamente sin ideas, y es por ello que recurren a otras fuentes de forma tan habitual últimamente, cuando no se trata de un remake de una película hecha hace décadas (en el mejor de los casos o un par de años en el caso más triste) se trata de una adaptación de un libro o de un cómic, algo que está muy de modo últimamente. Personalmente no me quejo en absoluto, me encanta el espíritu de los cómics, pero no tengo tanto tiempo como para ser fanática lectora, cinéfila empedernida y además una adicta a los cómics, por lo que mi conocimiento en el último sector es más bien escaso y aprendido de la opinión de personas cercanas. Así que para mí que adapten un cómic al cine es en cierto modo que me hagan la mitad de los deberes.


De vez en cuando esas adaptaciones son buenas y de vez en cuando pésimas, pero en el caso de Kick-Ass la película como tal me parece un auténtico regalo, pese a que, por lo que he leído, tiene diferencias tangibles con el cómic original, y es una de las pocas ocasiones que la película me genera la curiosidad suficiente como para tener ganas de leer el cómic, así que cuando lo haga ya os contaré de primera mano lo que opino de la diferencia entre ambas versiones. Por el momento solo puedo hablar de la película, dirigida por Matthew Vaughn.

El protagonista de Kick-Ass es Dave Lizewski, un chico normal de instituto, tímido, retraído y friki de los comics que un día decide, inspirado por los cómics que lee, convertirse en un auténtico superhéroe, el problema es que no tiene ningún superpoder y ni siquiera se ha entrenado nunca para algo de tal magnitud.. Lo primero que hace, como todo buen superhéroe, es elegir un nombre y procurarse un traje que oculte su verdadera identidad.


Pero cuando se pone manos a la obra el resultado no puede ser peor, es apuñalado y atropellado, increíblemente sobrevive y gracias a la brutal paliza adquiere lo más parecido a un superpoder que va a tener: su sistema nervioso queda inutilizado por lo que no siente dolor y sus huesos destrozados son reforzados con piezas metálicas, de modo que además de su insensibilidad al dolor obtiene una gran resistencia a las palizas.


De vuelta del hospital tras un largo periodo de recuperación vuelve a las andadas, inspirando a otros humanos a convertirse en superhéroes enmascarados, así conocerá a Hit-Girl, una niña de once años entrenada por su padre desde que antes de tener uso de razón y su padre, Big Daddy, y a otro extraño héroe Red-Mist.


Sorprendentemente, al menos para mí, la película es gamberra hasta la saciedad, violenta y dura, es decir, no es una película disney precisamente. No he leído el cómic pero, a priori, no parece dulcificar nada de lo que pueda ocurrir en él, lo que hace que la película sea auténtica y bestial, una verdadera diversión para el espectador, entre tiros, coreografías de lucha y diálogos para morirse de risa.


Debido al éxito de la película se rodará, por supuesto, una secuela llamada, como el propio cómic, Kick-Ass 2: Balls to the Wall, que llegará a nuestros cines en 2012.

En cuanto al reparto Aaron Johnson se mete muy bien en el papel de Dave Lizewsky, lo mismo ocurre con el pequeño descubrimiento Chloe Moretz encarnando a la letal Hit-Girl, como uno de los secundarios de la película yo también me he enamorado de ella (¡es la leche!). Nicolas Cage como Big Daddy y Christopher Mintz-Plasse como Red-Mist completan el grupo de superhéroes. Mención especial merece el malo malísimo de la historia Mark Strong en la piel de Frank D'Amico.

La película ya tiene solera, rodada en 1979, está considerada como un clásico imprescindible. Está basada en la adaptación de la novela El corazón de las Tinieblas de Joseph Conrad, ambientada en el África de finales del siglo XIX, trasladando la acción a la guerra de Vietman.

En 2001, también en el festival de Cannes, Francis Ford Coppola presentó un nuevo montaje de la película, en la que se ampliaba su metraje hasta las tres horas y media de duración, bajo el nombre de Apocalypse Now Redux, consiguiendo que la película de culto de 1979 no defraudase a nadie, manteniendo la esencia de la película original y profundizando en ella. La versión inicial del rodaje era de cuatro horas que tuvieron que ser recortadas a la mitad para su estreno comercial a finales de los años 70. Personalmente la película no se me hizo en absoluto larga, sino simplemente perfecta.

En Apocalypse Now conocemos al capitán Willard, interpretado por un joven Martin Sheen, que es enviado a Vietman en busca del Coronel Kurtz, en la piel de Marlon Brando, un ex-boina verde que parece haber enloquecido creando una especie de religión en la que los nativos lo adoran y su propio ejército lo protege, llevando a cabo su propia forma de hacer la guerra con acciones brutales, a ojos de los militares al mando. Recorremos con Willard este largo viaje, encontrando a su paso miles de maneras de hacer la guerra, la de cada uno de los soldados que viven en ella.


En su viaje tendrá su propio equipo de compañeros, personajes que cambiaran con él, cada uno a su manera, algunos bajo el efecto de las drogas, otros encerrados en sus propios miedos, pero todos embarcados en la misma locura que se apoderó de Kurtz, van perdiendo las nociones de la realidad. Willard se planteará su misión, debe matar a uno de los suyos, lo que le hará considerar de qué bando está y le llevará a pensar en la propia raíz de la que germina una guerra, la lucha entre el bien y el mal, pero ¿quién dice qué es el bien y qué el mal en un lugar como Vietnam?. Se dejará seducir con cada gota de información que lee sobre Kurtz hasta llegar a convertirse en un ser similar al que han enviado a cazar.


Lejos de contar la historia de un héroe, Coppola nos muestra sus puntos débiles, su propia hipocresía, la ética en un mundo donde nada tiene sentido. En el viaje de Willard el propio espectador se deja seducir por la larga búsqueda del Coronel Kurtz, un personaje que se va construyendo desde su ausencia, carismático, enfermizo... hasta llegar a su propio universo, un lugar creado por él y para él, en el que aparece, por fin, su figura entre luces y sombras, haciéndote sentir que quieres más de ese personaje por el que has batallado durante todo el metraje.


En este punto solo existe una opción, dejarse llevar con su propio fanatismo, por la filosofía que cubre su universo, por la contradicción del propio Willard que se debate entre la atracción y el rechazo, entre el amor y el odio, hasta descubrir que tan solo es un ser humano que está roto y obrar llevado tanto por el amor como por el odio que siente por Kurtz.


Los escenarios y la propia historia van sumiéndose en una especie de irrealidad, en una nube surrealista y simbólica que contrastará con la guerra que acaba convirtiéndose tan solo en un telón de fondo.

No se puede negar que Apocalypse Now cuenta con escenas imprescindibles en la historia del cine, para empezar su introducción, el comienzo con la perfecta canción de The Doors, The End, perfectamente sincronizada con la imagen y el significado. Otro momento inolvidable es el de los helicópteros listos para bombardear el pueblo vietnamita al ritmo de La Cabalgata de las Walkirias de Wagner.

"My film is not a movie. My film is not about Vietnam. It is Vietnam."

Esta frase del propio Coppola sobre la película pronunciada en su presentación en Cannes ha quedado para la posteridad, "Ésta no es una película sobre la Guerra de Vietman, esto es Vietman", dado el auténtico infierno en que se convirtió su rodaje en las Islas Filipinas, en el que el propio Coppola perdió 27 kilos. El final de la cinta original, en el que Willard y Kurtz aunan fuerzas y repelen un ataque aéreo complicado, fue escrito de forma precipitada y a Coppola nunca le gustó. Él estaba buscando un final más esperanzador y en Apocalypse Now Redux la película termina con Willard en un bote, en superposición a la cara del ídolo de piedra hasta desvanecerse en negro donde aparecen los créditos de la película.

La película está plagada de caras conocidas hoy en día, aunque en su día el gran reclamo de la película era el actor Marlon Brando, valoradísimo en aquella época y con el ego un poco subido, lo que le costó a Coppola más de un disgusto a mayores dentro del rodaje. Se cuenta también que Martin Sheen sufrió un ataque al corazón en medio del rodaje, de lo que no cabe duda es de que fue un rodaje y una película dura como pocas.


Entre el resto de caras conocidas encontramos a Robert Duvall como el Coronel Kilgore, un hombre empeñado en hacer surf en medio de un bombardeo y alimentado por el olor a Napalm.


Un jovencísimo e irreconocible Laurence Fishburne en su debut cinematográfico como el miembro más joven del equipo que acompaña a Willard.


Un joven Harrison Ford cuando su rostro apenas comenzaba a ser conocido tras su participación en la primera entrega de La Guerra de las Galaxias, Dennis Hopper como fotógrafo seducido y entregado al universo creado por Kurtz, y Frederic Forrest como otro de los miembros del equipo que se embarcará con Willard en su loca misión y uno de mis personajes favoritos dentro de la película.


Como anécdota el cameo del propio Coppola que aparece fugazmente como reportero de televisión en una de las escenas de la película diciendo a la gente que actuase como si no estuvieran allí, en medio de una guerra. Me resultó tremendamente surrealista y fantástico.


Frases impactantes para una película imprescindible:

- "Es imposible para las palabras describir lo que es necesario para aquellos que no saben lo que el horror significa. El horror. El horror tiene una cara... y uno debe hacerse amigo del horror. El horror y el terror moral son tus amigos. Si no lo son, son enemigos a los que hay que temer. Son enemigos de verdad". Coronel Walter E. Kurtz (Marlon Brando)

- "He visto horrores... horrores que tú has visto. Pero tú no tienes derecho a llamarme asesino. Tienes derecho a matarme. Tienes derecho a hacer eso... pero no tienes derecho a juzgarme". Coronel Walter E. Kurtz (Marlon Brando)

-"He visto un caracol, se deslizaba por el filo de una navaja, ese es mi sueño, más bien mi pesadilla, arrastrarme, deslizarme por todo el filo de una navaja de afeitar, y sobrevivir". Coronel Walter E. Kurtz (Marlon Brando)

- "Debemos matarlos, debemos incinerarlos, cerdo tras cerdo, vaca tras vaca, aldea tras aldea, ejército tras ejército, y me llaman asesino, ¿cómo hay que llamarlo, cuando los asesinos acusan a los asesinos? Mienten, mienten y tenemos que ser misericordiosos con los que mienten. A esos peces gordos, les odio, ¡cómo les odio!". Coronel Walter E. Kurtz (Marlon Brando)

- "Entrenamos a jóvenes para disparar sobre la gente, pero sus comandantes no dejan que los muchachos escriban 'joder' en sus aviones... ¡porque es una obscenidad!". Coronel Walter E. Kurtz (Marlon Brando)

- "Yo quería una misión... y por mis pecados me dieron una". Capitán Benjamin L. Willard (Martin Sheen)

- "Rompió con todos los demás, rompió consigo mismo, nunca había visto a nadie tan roto...". Capitán Benjamin L. Willard (Martin Sheen)

- "Si así es como Killgore hacía la guerra, me pregunto qué es lo que en realidad tenían en contra de Kurtz. No era solo por demente y asesino, había bastante de eso en todas partes". Capitán Benjamin L. Willard (Martin Sheen)

- "Era una manera que teníamos aquí en Vietnam de soportarnos a nosotros mismos. Masacrábamos a los vietnamitas con nuestras ametralladoras y les poníamos una tirita. Y cuanto más veía aquello, más odiaba las mentiras". Capitán Benjamin L. Willard (Martin Sheen)

"— ¿Hueles eso? ¿Lo hueles muchacho?
— ¿Qué es?
— Es Napalm. Nada del mundo huele como eso. Me gusta el olor del napalm por la mañana. Una vez durante doce horas bombardeamos una colina, y al acabar subí, no encontramos ni un cadáver de esos amarillos de mierda. Que pestazo el de la gasolina quemada. Aquella colina olía a... a victoria. Algún día acabará esta guerra".
Coronel Kilgore (Rober Duvall)

- "Me sobran cojones para hacer surf en esta playa". Coronel Kilgore (Robert Duvall)

"— Pero coronel, no podemos ir allí, Charlie está al acecho.
— ¡Charlie no hace surf!."
Coronel Kilgore (Robert Duvall)

- "Yo solía pensar que si moría en un lugar malvado, entonces mi alma no iría al cielo. Entonces, maldita sea. No me importa a donde vaya siempre y cuando no sea en este lugar". Jay "Chef" Hicks (Frederic Forrest)

- "Estáis peleando la nada más grande de la historia". Hubert de Marais (Christian Marquand)

- “Juzgar a alguien por asesinato en esta guerra sería como poner multas de velocidad en la carrera de Indianapolis.”- Willard (Martin Sheen)

- “No le niego un trago de agua a un hombre que tiene las tripas fuera”. Coronel Kilgore (Rober Duvall)

- “La mierda se amontona en Vietnam con tanta rapidez que necesitas alas para no mancharte.” Willard (Martin Sheen)

El otro día al fin vi Akira, y digo, al fin, porque mi novio llevaba siglos detrás de que viera con él una de sus películas favoritas, y de un tiempo a esta parte no era porque a mi me faltaran ganas... La conclusión después de haberla visto: ¿dónde ha estado esta película toda mi vida?. Abriendo la mente a otros horizontes, géneros y técnicas lo cierto es que se descubren pequeñas grandes joyas que habíamos ignorado hasta el momento, para mí eso precisamente supone Akira, una joya del cine de animación, técnica que en general no me llama demasiado la atención en el mundo cinematográfico.

Y ahora comencemos por el principio. Akira nació en la cultura japonesa, de las manos de Katsuhiro Otomo en forma de una monumental manga, de más de dos mil páginas, entre 1982 y 1993, obteniendo un gran éxito tanto en Japón como en el resto del mundo y generando en 1988, cuando el cómic aún estaba inconclusa, la película de animación de título homónimo. Ambas obras, novela gráfica y película, se convirtieron al instante en un clásico dentro de su género.


Debido a la realización de la película previa a la conclusión del manga, llega un momento en que el largometraje se separa de la línea argumental del cómic, generando dos obras sustancialmente distintas. Ambas alabadas.

Akira se ambienta en la ciudad futurista de Neo-Tokio, levantada sobre las ruinas de Tokio, destruida en 1988 por una terrible explosión nuclear que desencadenó la tercera guerra mundial, devastando todo el planeta. Treinta años después Neo-Tokio es una ciudad oprimida por el gobierno e inhumana, cargada de problemas, desempleo, olas de violencia, droga y terrorismo campan a sus anchas por la ciudad, las sectas religiosas y los grupos extremistas se aprovechan de la insatisfacción de los ciudadanos. Así nace el culto al mito de Akira, que según las profecías es un niño que contiene la energía absoluta y cuya resurrección significaría el amanecer de una nueva era.

Kaneda y Tetsuo son miembros de una pandilla de motociclistas que participan en peleas callejeras con otras bandas. Durante una de esas peleas Tetsuo resulta herido tras ver a un extraño niño. A partir de este momento Tetsuo no volverá a ser quién era, es secuestrado por el gobierno, quien lleva a cabo experimentos secretos con niños potenciando sus poderes psíquicos a través de fármacos. Llevarán a cabo estos experimentos con el joven quién comenzará a desarrollar también poderes psíquicos, además de terribles alucinaciones que le llevarán a desatar un poder más allá de todo lo conocido.


A partir de este punto una serie de personajes se verán envueltos en cuanto acontece a Tetsuo y a su amigo Kaneda, en los recuerdos que envuelven el mito de Akira conduciéndonos por una trama de dioses y humanos, de aciertos y errores, de amistad y desconfianza, creando una historia que nadie podrá borrar de su mente.

La animación de la película está realmente cuidada, siendo una auténtica revolución para la época que ahora no desmerece en absoluto. Los escenarios de Neo-Tokio se representaron en profundo detalle. La película fue estrenada en 1988 y supuso un salto cualitativo en la animación japonesa gracias al gran presupuesto con el que contaba. Al igual que el manga, la película fue dirigida por el propio Katsuhiro Otomo.

Esta película marcó el inicio de la difusión del manga y el anime fuera de las fronteras de Japón, gracias al impacto provocado en espectadores de todo el mundo, hasta el punto de ser considerada por muchos la mejor película de animación japonesa.

La película fue remasterizada en 2001, con un coste que superaba el millón de dólares. Actualmente existe un supuesto proyecto de llevar Akira al cine con personajes reales para el 2013, en el que el nombre más oído es Leonardo DiCaprio como Kaneda (que Dios me pille confesada...), pero el rumor de llevar al cine la película con personajes de carne y hueso comenzó ya en los años 90 tras comprobar el éxito de la cinta.

Brazil comienza en una peculiar sala donde un montón de máquinas de escribir convertidas en futuristas ordenadores funcionan a toda pastilla bajo la supervisión de un funcionario más preocupado por la molestia que le causa una mosca que por el trabajo que se desarrolla dentro de su despacho. Al matar la mosca esta cae dentro de uno de los ordenadores provocando un error en uno de los documentos y cambiando el apellido Tuttle por el de Buttle, lo que tiene una gravísima consecuencia y es que el apacible hombre de familia Harry Buttle sea confundido con Harry Tuttle, guerrillero terrorista en contra del sistema establecido, y llevado ante las autoridades del Estado, quienes acaban con él.


En este apocalíptico y distópico mundo en el que la burocracia lo es todo y no se puede ni levantar uno de la cama sin rellenar el consiguiente formulario, nadie quiere hacerse cargo del error cometido, ya que oficialmente no existen errores en el sistema burocrático. Pero el fallo llega hasta el conocimiento de Sam Lowry, un tecnócrata muy eficiente, quien con la mejor intención se dispone a hacerse cargo del papeleo, visitando a la familia del fallecido para entregarles un talón. Accidentalmente allí se encuentra con la mujer de sus sueños que resulta ser la vecina de la familia Buttle. Cada noche e incluso despierto Sam imagina un mundo utópico en el que posee alas y lucha contra el mal para rescatar a su princesa particular, pero la mujer hecha realidad huye de él.


Para poder obtener información de ella Sam se somete a los deseos de su madre, una mujer bien posicionada socialmente, obsesionada con su aspecto y con parecer cada día más joven, además de conseguir un empleo para su hijo entre los altos cargos. Así, Lowry acepta un ascenso al departamento de obtención de información.


La búsqueda de la mujer de la que se ha enamorado en cada uno de sus sueños, así como su implicación en el error burocrático de Buttle y su relación clandestina con el peculiar Harry Tuttle con quien trabará una extraña amistad complican la plácida vida de Sam Lowry hasta el punto de llegar a ser considerado una amenaza para el gobierno... Y el resto, os lo veis.


El título de la película es otro elemento surrealista de la misma, puesto que solo hace alusión a la canción del mismo nombre conocida por todos. Entre el reparto encontramos un joven e impresionante Robert de Niro y un Bob Hoskins envuelto literalmente en mierda. El papel protagonista lo lleva en todo momento Jonathan Pryce de una manera perfecta, adaptándose en cada momento a la personalidad soñadora y bondadora de Sam Lowry .


La película obtuvo en su día dos nominaciones a los Oscar, uno para la mejor dirección artística y otro para el mejor guión original. Desde luego nadie puede negar que el guión es increíblemente original.

Su director definió esta película como la segunda de una trilogía formada por Time Bandits, de 1981, y Las aventuras del Barón Munchausen, de 1989. Ambas son desconocidas para mí, así que me las apunto. Los puntos en común para poder considerarlas una trilogía es el tema principal de todas ellas: la lucha por la imaginación y la libertad del pensamiento en un mundo que se opone firmemente a ese tipo de ideas.

Personalmente la película me ha fascinado, en todo momento te mantiene pegado a la pantalla, sin ser capaz de creer lo que estás viendo y lo que ocurre a cada momento, pero la película no acaba cuando lo hace su metraje. Forma parte de ese tipo de películas que se interna en tu interior y te hace darle una y mil vueltas tratando de encontrar todas sus respuestas, y es que detrás de esa superficie cómica, futurista y surrealista se esconden miles de líneas de lectura que convierten a Brazil en lo que es, una auténtica película de culto, que cambiará a todo aquel que ose verla.


La película mezcla el futuro distópico en que vive Sam Lowry y su sociedad, con las imágenes oníricas que crea su mente y lo refugian de ese mundo real, todo ello aderezado con un humor cruel en que el sistema impuesto trata de protegerse y perdurar.


Antes de su estreno la película ya comenzó a tener problemas por el desacuerdo entre su director y la productora, que quería cambiar su final a uno más comercial, tipo made in USA (y eso que estamos en el Reino Unido que si llega a pillar en Hollywood nadie nos libra de un final que ni La casa de la pradera). Terry Gilliam se negó en rotundo y la película se estrenó como era originalmente sin lograr mucho éxito en taquilla. Pero las cadenas americanas si que editaron el film convirtiendo la película en una versión más corta de la misma, de 131 minutos de duración y con final feliz, que por supuesto pierde toda la esencia de la cinta convirtiéndola en una película sin mucho sentido. Personalmente no me llama la atención ver esa versión censurada y prescindible. La película es completamente perfecta tal cual Terry Gilliam la imaginó, y la rodó convirtiéndose para mí en su mejor obra. Sigue dando vueltas en mi cabeza, y desde luego que no descarto una pronta revisión de ella.


Por el momento os dejo el trailer para que os dejéis llevar por la locura de Brazil. A todos aquellos amantes de la ciencia ficción, solo tengo una cosa que decir: ¡No os la perdáis!.