Timothy William Burton nació en California el 25 de agosto de 1958, conocido director, productor, escritor y diseñador estadounidense. Su estilo cinematográfico se caracteriza por sus mundos imaginarios de elementos góticos y oscuros, o el caso contrario, lleno de color y fantasía, con protagonistas que suelen ser seres inadaptados y enigmáticos.

Sus vecinos y allegados lo definían desde pequeño como un inadaptado social con gran apetito por la ciencia ficción y el terror, debido a su afición por las películas de terror de bajo presupuesto. A la joven edad de 13 años se decidió a realizar su primer corto animado con algunos amigos, llamado The Island of Doctor Agor.

En 1976 acabó sus estudios de bachillerato e ingresó en el Instituto de Artes de California, fundado por Walt Disney como plataforma de aprendizaje para jóvenes aficionados a la animación, en el que realizó una serie animada bautizada como Stalk of the Celery Monster, trabajo que le dio la oportunidad de ser contratado por los estudios Disney.


Pero su trabajo en Disney no fue entendido ni apreciado en su momento, por lo que decidió continuar con sus propios planes y comenzó a dirigir sus primeros cortometrajes, Vincent y Frankenweenie, que obtuvieron el éxito merecido.

Dirigió su primer largometraje, La gran aventura de Pee-Wee, en 1985, tras lo que ha dirigido y producido numerosas películas, de las cuales muchas han sido notablemente apreciadas por público y crítica. Entre las cuales cuenta, Pesadilla antes de Navidad, que aunque no fue dirigida por el propio Burton fue creada y producida por él dando una bocanada fresca al cine de animación. Lo mismo ha ocurrido con la reciente película 9.

En cuanto a su vida personal en 1989 se casó con la artista alemana, Lena Gieseke, de la que se divorció tras la filmación de Batman Vuelve. Después estuvo comprometido con Lisa Marie desde 1992 hasta 2001, pero esta relación tampoco funcionó. Actualmente está comprometido con Helena Bonham Carter, con quien tiene dos hijos y quien ha aparecido en todas las películas del director desde que comenzó su relación. Ambos parecen hechos el uno para el otro, tanto en su estética como en su personalidad.


Si hay algo más constante en la carrera cinematográfica de Tim Burton, además de su estética, es que suele trabajar repetidamente con las mismas personas, sobre todo con su íntimo amigo, Johnny Depp, el músico Danny Elfman y su compañera sentimental, Helena Bonham Carter.

Ha llovido mucho desde que Burton hizo esta pequeña maravilla del cine de fantasía, una película que me conquistó en mi tierna infancia. En ella se centra en un personaje realmente atípico, un repulsivo y excéntrico fantasma con el nombre de Beetlejuice, perfectamente encarnado por Michael Keaton.


A través del humor negro, unos buenos efectos especiales y magníficos decorados hace que el personaje nos seduzca al tiempo que deseamos que desaparezca y deje en paz a los novatos fantasmas, la pareja encarnada por Alec Baldwin y Geena Davis, que no han aprendido a enfrentarse al más allá cuando su última hora les llega mucho antes de lo que ninguno hubiera previsto y solo quieren regresar a su recién estrenado hogar mientras una nueva familia realmente curiosa trata de instalarse en él. Una jovencísima Winona Ryder tiene un papel inolvidable en la película realmente divertida y original, como el propio Burton. La película ganó un Oscar al mejor maquillaje.

Una vez más Burton volvió a contar con Michael Keaton para su adaptación al cine del cómic de Batman convirtiendo la película en el éxito más grande de taquilla hasta el momento y una influencia de peso en posteriores películas de superhéroes. Para mí Michael Keaton junto a Christian Bale suponen los mejores Batman de cine y las películas realizadas por sendos directores, Burton y Nolan, las únicas que realmente merecen la pena.


En esta ocasión contó con El Joker como el enemigo de Batman y con Jack Nicholson para interpretarle desde un punto de vista más cómico que el reciente Joker de Nolan. Obtuvo el Oscar a mejor dirección artística y decorados, realmente merecido por el estilo gótico que le dio a Gotham City.

Este bonito cuento de Tim Burton nos relata como un inventor creó un muchacho, pero la muerte lo sorprende dejándolo inacabado, con tijeras en vez de manos, pero con un corazón lleno de bondad. Vive durante años vive solo en la mansión del inventor ignorando la vida que hay fuera, pero un día una mujer lo descubre y lo lleva a la ciudad, donde no todo el mundo comprende y ama al joven, y donde encontrará personas y cosas que le harán sufrir, pero también cosas tan maravillosas como el amor.

Como es habitual en las películas de Tim Burton, la estética es algo notable, original y diferente, y Eduardo Manostijeras no es una excepción a esta regla, siendo una película originalísima tanto en su planteamiento como visualmente. Pero en el fondo el personaje de este cuento no es otro que un Frankenstein reinventado, un ser extraño e incomprendido rodeado de un ambiente hostil que lo teme tan solo por ser diferente. Pero, afortunadamente, siempre hay personas que miran más allá de la fachada, que buscan en el alma y descubren la bondad que allí habita. Una historia de amor preciosa, de esas que te hacen sentir que todo es posible tan solo con la fuerza del amor. Un increíble cuento que requiere un visionado imprescindible y una pareja protagonista formada por Johnny Depp y Winona Ryder realmente inspiradora.

Varios años después de la primera entrega de Batman, Burton accedió a dirigir la secuela, Batman Returns. En ella vuelve a contar con Michael Keaton como Batman, Danny de Vito encarnando a Pingüino y la preciosa Michelle Pfeiffer como la mejor Catwoman de todos los tiempos. La película es aún más oscura y personal que la primera y personalmente debo reconocer que me gusta más, no sé si por la presencia del personaje de Catwoman tan carismático y magnífico.


Posteriormente Warner Bros decidió que las adaptaciones burtonianas de Batman habían sido demasiado oscuras y adultas por lo que para atraer a un público más infantil le pasó el testigo a Joel Schumacher, llegando el turno de Val Kilmer como nuevo Batman y un montón de caras conocidas para acompañarle en Batman Forever. Posteriormente la cuarta entrega de la saga correría también a su cargo y Batman contó con un nuevo actor en plantilla, George Clooney, y su compañero Robin en Batman & Robin. La conclusión, dos películas malísimas, sin la más mínima gracia ni interés que dan al traste con el magnífico Batman creado por Burton y su fantástica recreación de Gotham City. Hasta 2005 en que Christopher Nolan cogió el testigo y puso a Christian Bale en el papel del nuevo Batman no pudimos volver a disfrutar de una buena esencia de este superhéroe.

Curioso, aunque no mucho en la trayectoria de Tim Burton, es el proyecto de Ed Wood, en la que el director retrató la vida del considerado "peor director de la historia". En sus películas, englobadas dentro del género de la ciencia ficción y el terror, las malas actuaciones y los torpes personajes chocaban con los decorados tirándolos. Encarnando al peor director la piel de uno de los mejores actores, Johnny Depp.

La película fue rodada en blanco y negro, en homenaje a las películas y cumpliendo con la estética del momento. Obtuvo dos Oscars: al mejor actor secundario para Martin Landau y al mejor maquillaje.

Otra locura de película de Tim Burton es Mars Attack, en la que deja atrás todo el estilo gótico y oscuro que reina sus películas para tomar la iconografía colorista de los años 50 que pudimos ver en la ciudad de Eduardo Manostijeras.

La película es toda una parodia a las películas de ciencia ficción que contaba con un montón de caras conocidos en el reparto. Realmente divertida, surrealista y sugerente.

En Sleepy Hollow Burton vuelve a contar con su actor fetiche, Johnny Depp, y con una estética oscura. Una historia de fantasía y fantasmas en la que el actor encarna a un detective interesado en la ciencia forense, que es enviado al pueblo de Sleepy Hollow para investigar una seríe de crímenes.


El asesinato de las víctimas se lleva a cabo en campo abierto arrebatándoles las cabezas, aparentemente por un fantasma sin cabeza que es un leyenda local. La fotografía es probablemente una de las cosas más notables de la película, realmente magnífica.

Personalmente no puedo hablar de esta película que nunca ha llamado mi atención, ni la original de 1968 protagonizada por Charlton Heston, ni la de Tim Burton. Pero, El Planeta de los Simios supuso un gran éxito comercial, aunque fue criticado por perder el sello de que Burton dota a sus películas, convirtiéndose esta en una película comercial sin visos de sus director.


La película está basada en la novela homónima de Pierre Boulle. En ella un austronauta llega a un planeta donde los humanos son esclavizados por los simios.

Recientemente he tenido la oportunidad de ver, al fin, esta película de la que solo me habían contado maravillas. Como ya es habitual en las películas de Burton el reparto de Big Fish está plagado, una vez más, de caras conocidas.

En esta cinta olvida totalmente su estética oscura para acudir a su estética colorista, siendo esta su película más bella y luminosa. Un mundo fantástico a medio camino entre la realidad y la increíble imaginación de un hombre que decide que su vida sea más mágica e importante por el simple hecho de vivirla a su manera. Una historia muy bonita que cautiva y que te hace desear quedarte en ese mundo inventado en el que todo es posible.

En esta revisión de la película original de 1971 Johnny Depp encarna al curioso personaje de Willy Wonka, y ambas están basadas en un libro infantil escrito en 1964 por Roald Dahl. Willy Wonka es el dueño de una fábrica de chocolate misteriosa en la que nunca nadie ha entrado ni ha visto al propio Wonka, hasta que un día éste hace un anuncio: abrirá su famosa fábrica y mostrará todos sus secretos y su magia a cinco niños afortunados, los que tengan la suerte de encontrar los cinco billetes dorados dentro de las deliciosas tabletas de chocolate Wonka.


Charlie es un niño pobre que sueña con aquella fábrica y la magia que desprende y es el afortunado ganador de uno de los billetes. Entre dulces y Oompa Loompas la historia se va desgranando en un mágico mundo lleno de color. Personalmente me quedo con la película original, con Charlie y la fábrica de chocolate Burton no consiguió conquistarme.

La novia cadáver es una película estéticamente deliciosa, utiliza la misma técnica que ya utilizó Burton en Pesadilla antes de Navidad. Pese a que sus personajes no son reales tienen un gran parecido con los que los inspiraron y les aportaron las voces: Johnny Depp y Helena Bonham Carter.

La historia se basa en un cuento de la tradición rusa-judía ortodoxa, en la que un joven llamado Victor, se compromete accidentalmente con el cadáver de una novia, Emily, y se lleva a Victor al país de los muertos.

Una vez más Johnny Depp y Helena Bonham Carter se unen a Tim Burton para realizar la versión cinematográfica del musical Sweeney Todd, que también supone un musical en película y nos muestra la gran voz que posee Johnny Depp, algo que personalmente me impresionó, además del sello más oscuro de su director.

Cuenta la historia de un barbero inglés que tras ser falsamente acusado y condenado a una vida de trabajos forzados para arrebatarle a su esposa, regresa a Londres donde le cuentan que su Lucy fue violada y está muerta y que ahora su hija es la pupila del aquel malvado juez. Todd clama venganza y asesina a sus clientes con una navaja de afeitar con la ayuda de la Sra. Lovett, quien convierte los cadáveres en pasteles de carne.

Una de las películas más flojas de Burton, a mi parecer, es la reciente Alicia en Wonderland, en la que el director retoma la película original y transporta al País de las Maravillas a Alicia años después de su primera visita para luchar contra el dragón de la Reina Roja siendo la única que puede combatirle.

Salvo la estética colorista y mágica propia de Burton poco más tiene que ofrecer esta película. Como siempre cuenta con sus habituales Johnny Depp para el papel del Sombrerero Loco, que ciertamente lo encarna magníficamente y Helena Bonham Carter como la Reina de Corazones, y se deja seducir por el novedoso sistema 3d.

No es ninguna sorpresa que en Hollywood se han quedado completamente sin ideas, y es por ello que recurren a otras fuentes de forma tan habitual últimamente, cuando no se trata de un remake de una película hecha hace décadas (en el mejor de los casos o un par de años en el caso más triste) se trata de una adaptación de un libro o de un cómic, algo que está muy de modo últimamente. Personalmente no me quejo en absoluto, me encanta el espíritu de los cómics, pero no tengo tanto tiempo como para ser fanática lectora, cinéfila empedernida y además una adicta a los cómics, por lo que mi conocimiento en el último sector es más bien escaso y aprendido de la opinión de personas cercanas. Así que para mí que adapten un cómic al cine es en cierto modo que me hagan la mitad de los deberes.


De vez en cuando esas adaptaciones son buenas y de vez en cuando pésimas, pero en el caso de Kick-Ass la película como tal me parece un auténtico regalo, pese a que, por lo que he leído, tiene diferencias tangibles con el cómic original, y es una de las pocas ocasiones que la película me genera la curiosidad suficiente como para tener ganas de leer el cómic, así que cuando lo haga ya os contaré de primera mano lo que opino de la diferencia entre ambas versiones. Por el momento solo puedo hablar de la película, dirigida por Matthew Vaughn.

El protagonista de Kick-Ass es Dave Lizewski, un chico normal de instituto, tímido, retraído y friki de los comics que un día decide, inspirado por los cómics que lee, convertirse en un auténtico superhéroe, el problema es que no tiene ningún superpoder y ni siquiera se ha entrenado nunca para algo de tal magnitud.. Lo primero que hace, como todo buen superhéroe, es elegir un nombre y procurarse un traje que oculte su verdadera identidad.


Pero cuando se pone manos a la obra el resultado no puede ser peor, es apuñalado y atropellado, increíblemente sobrevive y gracias a la brutal paliza adquiere lo más parecido a un superpoder que va a tener: su sistema nervioso queda inutilizado por lo que no siente dolor y sus huesos destrozados son reforzados con piezas metálicas, de modo que además de su insensibilidad al dolor obtiene una gran resistencia a las palizas.


De vuelta del hospital tras un largo periodo de recuperación vuelve a las andadas, inspirando a otros humanos a convertirse en superhéroes enmascarados, así conocerá a Hit-Girl, una niña de once años entrenada por su padre desde que antes de tener uso de razón y su padre, Big Daddy, y a otro extraño héroe Red-Mist.


Sorprendentemente, al menos para mí, la película es gamberra hasta la saciedad, violenta y dura, es decir, no es una película disney precisamente. No he leído el cómic pero, a priori, no parece dulcificar nada de lo que pueda ocurrir en él, lo que hace que la película sea auténtica y bestial, una verdadera diversión para el espectador, entre tiros, coreografías de lucha y diálogos para morirse de risa.


Debido al éxito de la película se rodará, por supuesto, una secuela llamada, como el propio cómic, Kick-Ass 2: Balls to the Wall, que llegará a nuestros cines en 2012.

En cuanto al reparto Aaron Johnson se mete muy bien en el papel de Dave Lizewsky, lo mismo ocurre con el pequeño descubrimiento Chloe Moretz encarnando a la letal Hit-Girl, como uno de los secundarios de la película yo también me he enamorado de ella (¡es la leche!). Nicolas Cage como Big Daddy y Christopher Mintz-Plasse como Red-Mist completan el grupo de superhéroes. Mención especial merece el malo malísimo de la historia Mark Strong en la piel de Frank D'Amico.

La película ya tiene solera, rodada en 1979, está considerada como un clásico imprescindible. Está basada en la adaptación de la novela El corazón de las Tinieblas de Joseph Conrad, ambientada en el África de finales del siglo XIX, trasladando la acción a la guerra de Vietman.

En 2001, también en el festival de Cannes, Francis Ford Coppola presentó un nuevo montaje de la película, en la que se ampliaba su metraje hasta las tres horas y media de duración, bajo el nombre de Apocalypse Now Redux, consiguiendo que la película de culto de 1979 no defraudase a nadie, manteniendo la esencia de la película original y profundizando en ella. La versión inicial del rodaje era de cuatro horas que tuvieron que ser recortadas a la mitad para su estreno comercial a finales de los años 70. Personalmente la película no se me hizo en absoluto larga, sino simplemente perfecta.

En Apocalypse Now conocemos al capitán Willard, interpretado por un joven Martin Sheen, que es enviado a Vietman en busca del Coronel Kurtz, en la piel de Marlon Brando, un ex-boina verde que parece haber enloquecido creando una especie de religión en la que los nativos lo adoran y su propio ejército lo protege, llevando a cabo su propia forma de hacer la guerra con acciones brutales, a ojos de los militares al mando. Recorremos con Willard este largo viaje, encontrando a su paso miles de maneras de hacer la guerra, la de cada uno de los soldados que viven en ella.


En su viaje tendrá su propio equipo de compañeros, personajes que cambiaran con él, cada uno a su manera, algunos bajo el efecto de las drogas, otros encerrados en sus propios miedos, pero todos embarcados en la misma locura que se apoderó de Kurtz, van perdiendo las nociones de la realidad. Willard se planteará su misión, debe matar a uno de los suyos, lo que le hará considerar de qué bando está y le llevará a pensar en la propia raíz de la que germina una guerra, la lucha entre el bien y el mal, pero ¿quién dice qué es el bien y qué el mal en un lugar como Vietnam?. Se dejará seducir con cada gota de información que lee sobre Kurtz hasta llegar a convertirse en un ser similar al que han enviado a cazar.


Lejos de contar la historia de un héroe, Coppola nos muestra sus puntos débiles, su propia hipocresía, la ética en un mundo donde nada tiene sentido. En el viaje de Willard el propio espectador se deja seducir por la larga búsqueda del Coronel Kurtz, un personaje que se va construyendo desde su ausencia, carismático, enfermizo... hasta llegar a su propio universo, un lugar creado por él y para él, en el que aparece, por fin, su figura entre luces y sombras, haciéndote sentir que quieres más de ese personaje por el que has batallado durante todo el metraje.


En este punto solo existe una opción, dejarse llevar con su propio fanatismo, por la filosofía que cubre su universo, por la contradicción del propio Willard que se debate entre la atracción y el rechazo, entre el amor y el odio, hasta descubrir que tan solo es un ser humano que está roto y obrar llevado tanto por el amor como por el odio que siente por Kurtz.


Los escenarios y la propia historia van sumiéndose en una especie de irrealidad, en una nube surrealista y simbólica que contrastará con la guerra que acaba convirtiéndose tan solo en un telón de fondo.

No se puede negar que Apocalypse Now cuenta con escenas imprescindibles en la historia del cine, para empezar su introducción, el comienzo con la perfecta canción de The Doors, The End, perfectamente sincronizada con la imagen y el significado. Otro momento inolvidable es el de los helicópteros listos para bombardear el pueblo vietnamita al ritmo de La Cabalgata de las Walkirias de Wagner.

"My film is not a movie. My film is not about Vietnam. It is Vietnam."

Esta frase del propio Coppola sobre la película pronunciada en su presentación en Cannes ha quedado para la posteridad, "Ésta no es una película sobre la Guerra de Vietman, esto es Vietman", dado el auténtico infierno en que se convirtió su rodaje en las Islas Filipinas, en el que el propio Coppola perdió 27 kilos. El final de la cinta original, en el que Willard y Kurtz aunan fuerzas y repelen un ataque aéreo complicado, fue escrito de forma precipitada y a Coppola nunca le gustó. Él estaba buscando un final más esperanzador y en Apocalypse Now Redux la película termina con Willard en un bote, en superposición a la cara del ídolo de piedra hasta desvanecerse en negro donde aparecen los créditos de la película.

La película está plagada de caras conocidas hoy en día, aunque en su día el gran reclamo de la película era el actor Marlon Brando, valoradísimo en aquella época y con el ego un poco subido, lo que le costó a Coppola más de un disgusto a mayores dentro del rodaje. Se cuenta también que Martin Sheen sufrió un ataque al corazón en medio del rodaje, de lo que no cabe duda es de que fue un rodaje y una película dura como pocas.


Entre el resto de caras conocidas encontramos a Robert Duvall como el Coronel Kilgore, un hombre empeñado en hacer surf en medio de un bombardeo y alimentado por el olor a Napalm.


Un jovencísimo e irreconocible Laurence Fishburne en su debut cinematográfico como el miembro más joven del equipo que acompaña a Willard.


Un joven Harrison Ford cuando su rostro apenas comenzaba a ser conocido tras su participación en la primera entrega de La Guerra de las Galaxias, Dennis Hopper como fotógrafo seducido y entregado al universo creado por Kurtz, y Frederic Forrest como otro de los miembros del equipo que se embarcará con Willard en su loca misión y uno de mis personajes favoritos dentro de la película.


Como anécdota el cameo del propio Coppola que aparece fugazmente como reportero de televisión en una de las escenas de la película diciendo a la gente que actuase como si no estuvieran allí, en medio de una guerra. Me resultó tremendamente surrealista y fantástico.


Frases impactantes para una película imprescindible:

- "Es imposible para las palabras describir lo que es necesario para aquellos que no saben lo que el horror significa. El horror. El horror tiene una cara... y uno debe hacerse amigo del horror. El horror y el terror moral son tus amigos. Si no lo son, son enemigos a los que hay que temer. Son enemigos de verdad". Coronel Walter E. Kurtz (Marlon Brando)

- "He visto horrores... horrores que tú has visto. Pero tú no tienes derecho a llamarme asesino. Tienes derecho a matarme. Tienes derecho a hacer eso... pero no tienes derecho a juzgarme". Coronel Walter E. Kurtz (Marlon Brando)

-"He visto un caracol, se deslizaba por el filo de una navaja, ese es mi sueño, más bien mi pesadilla, arrastrarme, deslizarme por todo el filo de una navaja de afeitar, y sobrevivir". Coronel Walter E. Kurtz (Marlon Brando)

- "Debemos matarlos, debemos incinerarlos, cerdo tras cerdo, vaca tras vaca, aldea tras aldea, ejército tras ejército, y me llaman asesino, ¿cómo hay que llamarlo, cuando los asesinos acusan a los asesinos? Mienten, mienten y tenemos que ser misericordiosos con los que mienten. A esos peces gordos, les odio, ¡cómo les odio!". Coronel Walter E. Kurtz (Marlon Brando)

- "Entrenamos a jóvenes para disparar sobre la gente, pero sus comandantes no dejan que los muchachos escriban 'joder' en sus aviones... ¡porque es una obscenidad!". Coronel Walter E. Kurtz (Marlon Brando)

- "Yo quería una misión... y por mis pecados me dieron una". Capitán Benjamin L. Willard (Martin Sheen)

- "Rompió con todos los demás, rompió consigo mismo, nunca había visto a nadie tan roto...". Capitán Benjamin L. Willard (Martin Sheen)

- "Si así es como Killgore hacía la guerra, me pregunto qué es lo que en realidad tenían en contra de Kurtz. No era solo por demente y asesino, había bastante de eso en todas partes". Capitán Benjamin L. Willard (Martin Sheen)

- "Era una manera que teníamos aquí en Vietnam de soportarnos a nosotros mismos. Masacrábamos a los vietnamitas con nuestras ametralladoras y les poníamos una tirita. Y cuanto más veía aquello, más odiaba las mentiras". Capitán Benjamin L. Willard (Martin Sheen)

"— ¿Hueles eso? ¿Lo hueles muchacho?
— ¿Qué es?
— Es Napalm. Nada del mundo huele como eso. Me gusta el olor del napalm por la mañana. Una vez durante doce horas bombardeamos una colina, y al acabar subí, no encontramos ni un cadáver de esos amarillos de mierda. Que pestazo el de la gasolina quemada. Aquella colina olía a... a victoria. Algún día acabará esta guerra".
Coronel Kilgore (Rober Duvall)

- "Me sobran cojones para hacer surf en esta playa". Coronel Kilgore (Robert Duvall)

"— Pero coronel, no podemos ir allí, Charlie está al acecho.
— ¡Charlie no hace surf!."
Coronel Kilgore (Robert Duvall)

- "Yo solía pensar que si moría en un lugar malvado, entonces mi alma no iría al cielo. Entonces, maldita sea. No me importa a donde vaya siempre y cuando no sea en este lugar". Jay "Chef" Hicks (Frederic Forrest)

- "Estáis peleando la nada más grande de la historia". Hubert de Marais (Christian Marquand)

- “Juzgar a alguien por asesinato en esta guerra sería como poner multas de velocidad en la carrera de Indianapolis.”- Willard (Martin Sheen)

- “No le niego un trago de agua a un hombre que tiene las tripas fuera”. Coronel Kilgore (Rober Duvall)

- “La mierda se amontona en Vietnam con tanta rapidez que necesitas alas para no mancharte.” Willard (Martin Sheen)

El otro día al fin vi Akira, y digo, al fin, porque mi novio llevaba siglos detrás de que viera con él una de sus películas favoritas, y de un tiempo a esta parte no era porque a mi me faltaran ganas... La conclusión después de haberla visto: ¿dónde ha estado esta película toda mi vida?. Abriendo la mente a otros horizontes, géneros y técnicas lo cierto es que se descubren pequeñas grandes joyas que habíamos ignorado hasta el momento, para mí eso precisamente supone Akira, una joya del cine de animación, técnica que en general no me llama demasiado la atención en el mundo cinematográfico.

Y ahora comencemos por el principio. Akira nació en la cultura japonesa, de las manos de Katsuhiro Otomo en forma de una monumental manga, de más de dos mil páginas, entre 1982 y 1993, obteniendo un gran éxito tanto en Japón como en el resto del mundo y generando en 1988, cuando el cómic aún estaba inconclusa, la película de animación de título homónimo. Ambas obras, novela gráfica y película, se convirtieron al instante en un clásico dentro de su género.


Debido a la realización de la película previa a la conclusión del manga, llega un momento en que el largometraje se separa de la línea argumental del cómic, generando dos obras sustancialmente distintas. Ambas alabadas.

Akira se ambienta en la ciudad futurista de Neo-Tokio, levantada sobre las ruinas de Tokio, destruida en 1988 por una terrible explosión nuclear que desencadenó la tercera guerra mundial, devastando todo el planeta. Treinta años después Neo-Tokio es una ciudad oprimida por el gobierno e inhumana, cargada de problemas, desempleo, olas de violencia, droga y terrorismo campan a sus anchas por la ciudad, las sectas religiosas y los grupos extremistas se aprovechan de la insatisfacción de los ciudadanos. Así nace el culto al mito de Akira, que según las profecías es un niño que contiene la energía absoluta y cuya resurrección significaría el amanecer de una nueva era.

Kaneda y Tetsuo son miembros de una pandilla de motociclistas que participan en peleas callejeras con otras bandas. Durante una de esas peleas Tetsuo resulta herido tras ver a un extraño niño. A partir de este momento Tetsuo no volverá a ser quién era, es secuestrado por el gobierno, quien lleva a cabo experimentos secretos con niños potenciando sus poderes psíquicos a través de fármacos. Llevarán a cabo estos experimentos con el joven quién comenzará a desarrollar también poderes psíquicos, además de terribles alucinaciones que le llevarán a desatar un poder más allá de todo lo conocido.


A partir de este punto una serie de personajes se verán envueltos en cuanto acontece a Tetsuo y a su amigo Kaneda, en los recuerdos que envuelven el mito de Akira conduciéndonos por una trama de dioses y humanos, de aciertos y errores, de amistad y desconfianza, creando una historia que nadie podrá borrar de su mente.

La animación de la película está realmente cuidada, siendo una auténtica revolución para la época que ahora no desmerece en absoluto. Los escenarios de Neo-Tokio se representaron en profundo detalle. La película fue estrenada en 1988 y supuso un salto cualitativo en la animación japonesa gracias al gran presupuesto con el que contaba. Al igual que el manga, la película fue dirigida por el propio Katsuhiro Otomo.

Esta película marcó el inicio de la difusión del manga y el anime fuera de las fronteras de Japón, gracias al impacto provocado en espectadores de todo el mundo, hasta el punto de ser considerada por muchos la mejor película de animación japonesa.

La película fue remasterizada en 2001, con un coste que superaba el millón de dólares. Actualmente existe un supuesto proyecto de llevar Akira al cine con personajes reales para el 2013, en el que el nombre más oído es Leonardo DiCaprio como Kaneda (que Dios me pille confesada...), pero el rumor de llevar al cine la película con personajes de carne y hueso comenzó ya en los años 90 tras comprobar el éxito de la cinta.

Brazil comienza en una peculiar sala donde un montón de máquinas de escribir convertidas en futuristas ordenadores funcionan a toda pastilla bajo la supervisión de un funcionario más preocupado por la molestia que le causa una mosca que por el trabajo que se desarrolla dentro de su despacho. Al matar la mosca esta cae dentro de uno de los ordenadores provocando un error en uno de los documentos y cambiando el apellido Tuttle por el de Buttle, lo que tiene una gravísima consecuencia y es que el apacible hombre de familia Harry Buttle sea confundido con Harry Tuttle, guerrillero terrorista en contra del sistema establecido, y llevado ante las autoridades del Estado, quienes acaban con él.


En este apocalíptico y distópico mundo en el que la burocracia lo es todo y no se puede ni levantar uno de la cama sin rellenar el consiguiente formulario, nadie quiere hacerse cargo del error cometido, ya que oficialmente no existen errores en el sistema burocrático. Pero el fallo llega hasta el conocimiento de Sam Lowry, un tecnócrata muy eficiente, quien con la mejor intención se dispone a hacerse cargo del papeleo, visitando a la familia del fallecido para entregarles un talón. Accidentalmente allí se encuentra con la mujer de sus sueños que resulta ser la vecina de la familia Buttle. Cada noche e incluso despierto Sam imagina un mundo utópico en el que posee alas y lucha contra el mal para rescatar a su princesa particular, pero la mujer hecha realidad huye de él.


Para poder obtener información de ella Sam se somete a los deseos de su madre, una mujer bien posicionada socialmente, obsesionada con su aspecto y con parecer cada día más joven, además de conseguir un empleo para su hijo entre los altos cargos. Así, Lowry acepta un ascenso al departamento de obtención de información.


La búsqueda de la mujer de la que se ha enamorado en cada uno de sus sueños, así como su implicación en el error burocrático de Buttle y su relación clandestina con el peculiar Harry Tuttle con quien trabará una extraña amistad complican la plácida vida de Sam Lowry hasta el punto de llegar a ser considerado una amenaza para el gobierno... Y el resto, os lo veis.


El título de la película es otro elemento surrealista de la misma, puesto que solo hace alusión a la canción del mismo nombre conocida por todos. Entre el reparto encontramos un joven e impresionante Robert de Niro y un Bob Hoskins envuelto literalmente en mierda. El papel protagonista lo lleva en todo momento Jonathan Pryce de una manera perfecta, adaptándose en cada momento a la personalidad soñadora y bondadora de Sam Lowry .


La película obtuvo en su día dos nominaciones a los Oscar, uno para la mejor dirección artística y otro para el mejor guión original. Desde luego nadie puede negar que el guión es increíblemente original.

Su director definió esta película como la segunda de una trilogía formada por Time Bandits, de 1981, y Las aventuras del Barón Munchausen, de 1989. Ambas son desconocidas para mí, así que me las apunto. Los puntos en común para poder considerarlas una trilogía es el tema principal de todas ellas: la lucha por la imaginación y la libertad del pensamiento en un mundo que se opone firmemente a ese tipo de ideas.

Personalmente la película me ha fascinado, en todo momento te mantiene pegado a la pantalla, sin ser capaz de creer lo que estás viendo y lo que ocurre a cada momento, pero la película no acaba cuando lo hace su metraje. Forma parte de ese tipo de películas que se interna en tu interior y te hace darle una y mil vueltas tratando de encontrar todas sus respuestas, y es que detrás de esa superficie cómica, futurista y surrealista se esconden miles de líneas de lectura que convierten a Brazil en lo que es, una auténtica película de culto, que cambiará a todo aquel que ose verla.


La película mezcla el futuro distópico en que vive Sam Lowry y su sociedad, con las imágenes oníricas que crea su mente y lo refugian de ese mundo real, todo ello aderezado con un humor cruel en que el sistema impuesto trata de protegerse y perdurar.


Antes de su estreno la película ya comenzó a tener problemas por el desacuerdo entre su director y la productora, que quería cambiar su final a uno más comercial, tipo made in USA (y eso que estamos en el Reino Unido que si llega a pillar en Hollywood nadie nos libra de un final que ni La casa de la pradera). Terry Gilliam se negó en rotundo y la película se estrenó como era originalmente sin lograr mucho éxito en taquilla. Pero las cadenas americanas si que editaron el film convirtiendo la película en una versión más corta de la misma, de 131 minutos de duración y con final feliz, que por supuesto pierde toda la esencia de la cinta convirtiéndola en una película sin mucho sentido. Personalmente no me llama la atención ver esa versión censurada y prescindible. La película es completamente perfecta tal cual Terry Gilliam la imaginó, y la rodó convirtiéndose para mí en su mejor obra. Sigue dando vueltas en mi cabeza, y desde luego que no descarto una pronta revisión de ella.


Por el momento os dejo el trailer para que os dejéis llevar por la locura de Brazil. A todos aquellos amantes de la ciencia ficción, solo tengo una cosa que decir: ¡No os la perdáis!.